2009激情心靈--台日新世代錄像藝術展

四季草花圖與時間
吳正國(生一)

作品:四季草花圖/作者:小瀨村真美

當你一進入到這件作品的擺放空間，你就會馬上感到一股悠閒的氣氛，縱使這件作品是錄像的視覺效果，搭配上一些實物和聲音的輔助，它給人的感染力，並不輸給實際上生活在日式家庭的那樣真實。一眼望去這件作品，最先映入眼簾的是一個仿和室的榻榻米建築，再往前走，昆蟲和池邊、樹上小動物的微微叫聲將會吸以你的聽覺，那種大自然規律的叫聲、舒服的節奏，帶出一種讓人心情放鬆、腳步放慢的魔力，不知不覺，就發現自己已經坐在榻榻米上欣賞這情景交融的作品，頓時覺得自己似乎道地的日本人，悠閒的午後，品嘗著一壺茶，感受大地的精華，讓整個人的身心，放鬆至最高的境界，這樣的舒服是不可言喻的。和室的窗外，利用不同的天氣、不同的光照，把四季的氣氛營造出來，四個季節的花草圖就如此呈現在我們眼前，只要微微轉個頭，就可以感受不一樣的情愫，或著拉遠視野，一次感受多扇窗帶來的禮物，搭配著超真實的蟲鳴鳥叫，要感覺多少就能得到多少感覺，在紛雜的城市裡，能到這個空間感受、欣賞這件作品，在複雜在疲憊的身子，當坐上榻榻米的那一刻都全消失了，回歸到最真實最自然的那面，總是能讓人也回到最真實的一面，沉迷於其中的心境頓時無法抽離，讓人的屁股不想離開那榻榻米，看著不同扇窗表達的意象都能讓你想到不同的往事，稀疏卻響亮的蟲鳴是最自然的音樂，回到了純真、簡單、純樸的一面，任誰都無法逃脫這種魔力，而放下腳步，好好地欣賞，用心的體會，很自然的就能接受到作者想表達給觀賞者的禮物!

作品: 時間（呼吸）/作者:林冠名

這件作品非常特別，作品投影在一個隔著簾幕的展場，走進去時會以為走錯了展場，因為漆黑的場景和影像會讓人以為這裡沒有作品，其實這是作者的巧思和題材，漆黑的展場讓人的視覺無法如白日正常地觀賞事物，加上寂靜的氣氛，時間與呼吸相對地成為了焦點，慢慢迷失的我們在欣賞的過程中，從剛開始的一片漆黑寂靜，如同在星河中，慢慢的感覺到屬於自己的呼吸和協調性，然後到後來漸漸震撼的聲音響起，黑暗與震動的氛圍再次打破沉沒，然後再一次地在黑暗中找回自己的協調，隨著這樣的變化，我們逐漸找到節奏同時也體認到我們其他感官的存在。作者把時間和呼吸聯想在一起就像是在說，呼吸的節律對於時間似乎敘說了我們存在的本質，如同影像中海的聲響和亮暗的變化有自己的規律，自己的本質和協調性。在這件錄像作品中，我們找到了自己視覺下的存在，重新的用我們的本質去感知這個自然的週期和存在。它讓人迷失，卻又讓人再次體認用心的感覺自己的韻律，這才是在外在感官下的實質。符合本次的主題-激情心靈，從規律的週期、寂靜或者小擾動的環境影像中表達的卻是更多更強烈感知，雖然從進去到出來，並沒有多說一句話，但心理的澎湃卻如同主題一樣的激情，那麼顯著。

2009第七屆台新藝術獎

陳奕中(醫一甲)

在母親節這天去美術館隨老師看展，對我而言是全新的體驗；這是第一次母親節不在家裡過，同時也是久違了的美術館之旅。雖然在當代館和大家會合時並沒有很順利，不久之後還是找到了老師，開始了這知性與感性之旅。

首先，老師讓我們看了由「剪影」構成的作品。湛藍色調的展間加上由剪影所構成的作品，雖然略為簡陋，卻同時也賦予了觀者很大的想像空間。在不同的螢幕上，形狀不一的影子快速移動著，一點也不遲疑。望著剪影不斷地出現、消失，我漸漸思考起這件作品的涵義。這些影子的實體究竟是什麼，他們是否具有生命？若他們有生命，他們是否具有思想與文化？我傾向於認為，這些剪影所描繪的是一個可能存在的世界；這項作品想敘述的，可能便是要我們多去注意、去想像影子的實體為何，去補捉世界的各種可能性。

接著，看展的小隊在老師的帶領下抵達了「樹谷園區公共空間藝術設置」的展間。對我而言，那映入眼簾的，充滿土風、土氣的展覽場是新穎的體驗。一間被黃土覆蓋的空間何以成為台新獎入圍的藝術作品？我在心中盤算了許久，始終不得其解；但是在經過了老師和台藝大校友的解說之後，漸漸了解了這個黃土展間的獨到之處。據台藝大校友所言，樹谷園區的藝術形式是以反向操作的模式來創造藝術空間；以往的藝術空間、公園等，總是在空間已經設置完成後，才將所謂的藝術引入；樹谷園區所執行的反向操作，便是用藝術來創造空間，而整個創造的大工程，便以美術館內的照片與黃土來呈現。與其說作品本身充滿藝術氣息，不如說概念上的創新是藝術創舉！

在體驗完樹谷園區的藝術風格後，迎面而來的是「懾‧相」的展間。與先前的空間相比，剛進入這個展間，空氣中便瀰漫著一股詭譎的氣氛，與我心目中藝術品的氛圍相差甚遠；紫紅色的地板與圍牆、作品中充滿著侵蝕性幻想的人物與背景，讓我在細嚼、感受作品的同時，心中也懷抱著恐懼，充滿不安。在奇異而虛幻的背景之中，主角們所露出的表情，其涵義究竟為何？是希望，還是絕望，抑或是苦中作樂？吳天章老師透過虛假的畫面所欲探討的，也許就是市井小民的生活經驗；而其中瀰漫的荒誕風格，所欲表達的，大概就是對人性虛無的感嘆吧。雖然「懾‧相」的展覽品並不多，但是卻令人印象深刻。由於其所切入的層面深及心靈，在離開展間之後，仍讓人不斷回想。

在「懾‧相」停留了許久之後，大家前往了台新獎優等獎的展間「大衛天堂」。在進入展間之前，經由老師的說明，了解這是藉由有時間差的影片來呈現的作品。在進入播放室之後，便開始觀賞漫長的影片。在影片中，有個穿著黑西裝、皮鞋的人在影片中時而現身，時而消失。不斷緩慢流動的空間，讓人無法得知這個故事從何而始，至何為終。就我的觀點，在「大衛天堂」裡的世界是平穩而簡單的，在很漫長的時間裡，其一往如常，像迴圈般反覆著；雖然不時有某些變化展開，在不久之後，這些改變都會返回原點，也就是說，這個天堂是永恆的，充滿美好的想望，且不會因為外力的介入而產生變革。在「大衛天堂」中，並沒有特定的劇情主軸，也未說明大衛所代表的含意，也許這個作品所想表達的，僅僅是某個人的內心世界。不斷出現的熟悉場景，讓人感到心醉神迷，然而這穩定而虛幻的空間，是否真的是個天堂？我們是否能夠逃進這個天堂，成為永恆的世界的居民？進入了這個天堂之後，真的會感到快樂嗎？我認為，人類是因為對生存有著負面想法，而去幻想，並以此為助力去支持生存；雖然這類的負面想法令人難以負荷，但在生存的過程中，所得到的許多額外事物，是無法從幻想中獲得的。因此，我認為人們應該面對現實，不應該藏身於自己的內心世界－那自己心中的「大衛天堂」。

在看完了頗長的影片之後，「遇見台灣詩人一百」的室內展間是下一個去處。據我所知，「遇見台灣詩人一百」是一場綿延兩公里的實驗特展，其中所用的七百多首詩，皆由百位台灣詩人所作；其中，在當代館內的部分，搭配了互動元件，只要碰觸一下就會產生截然不同的詩。透過影像的變化，詩像時光機一樣，時而帶著我們回到過去，時而迎向未來；其中，日夜晨昏的變化則顯現出了時間的流動，當我們看見詩的同時，似乎也看見了這片土地的歷史。

看了當代館的展演之後，我最大的收穫是更加了解藝術品的涵義；事實上，一件藝術品最可貴的並不是他看起來的樣子，而是某種新的概念的提出，或對某種議題的探討；而思考每件作品背後所想表達的事，便是看展覽最有趣的地方！
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大衛計畫第三部：大衛天堂
魏平雅(醫二甲)

我覺得這部影片的處理手法很特別也很新奇，是以前沒有接觸過的創作類型，以五個螢幕撥放卻各間隔十秒的方式，以使觀眾有十分耳目一新的體驗。以下分別評論幾個不同的畫面：

1. 主角走路穿越各個場景：緩慢的步調使觀眾能仔細觀察場景轉換，重複播放的方式又更能多次觀察某些景物。而因為間隔十秒的因素，使螢幕與螢幕之間彷彿有了連結，有些畫面看起來好像主角從一個螢幕繼續走到另一個螢幕，會有五個螢幕其實是一個長型大螢幕的錯覺。我認為場景的轉換似乎也暗示著主角心境的轉換，例如一開始是走在玄關、客廳、臥室等等生活中所熟悉的空間，彷彿是藉由對這些空間的熟悉感來懷念已故的友人；而最後又走出屋子，踏進青綠的草地，彷彿心境上開闊了起來，也較能放下對友人的牽掛。

2. 信紙的書寫畫面：只有筆而無人的紙上，出現了一行行對已故友人的思念，彷彿想對他訴說，卻又不知道要如何深刻表達自身的情緒，所以索性不把人的意象放入影片中，而藉由一行行書寫的文字記錄展露作者內心的想法，使字裡行間所表達的情誼更能感動觀眾。

3. 玫瑰花束與單支玫瑰花：玫瑰花是整部影片中我認為較有生命力的部分，一開始由遠而近的玫瑰花瓶，旋轉著漂浮著，一大束玫瑰的紅豔展露無遺，相當有生命力，而後出現的相對於一大束玫瑰花的單支玫瑰花，我想是作者想要表達以故友人脫離現實社群的意象，以一支玫瑰花獨立於一束玫瑰花，暗示友人獨立於活著的人們而去了天堂。

4. 漂浮的家具：我認為漂浮的家具是相較於現實生活中被地心引力束縛著而不動的家具，彷彿在天堂的意象裡是沒有地心引力的，感覺相當天馬行空且脫離現實，充分表現了大衛天堂的主題。

5. 穿越人體的水平水柱：畫面中水平的水柱不受地心引力的影響，雖是日常生活中會出現的浴室場景，卻是充滿超現實的表現手法。水柱打到人體卻不被擋下而直接穿透的畫面彷彿也暗示了友人已經不在的事實，像是靈魂般存在的意象。

6. 低頻率的背景音樂：低頻率的音樂以及緩慢的步調給人的感覺是哀傷卻平靜的，雖是失去友人的傷痛，但卻不是歇斯底里的哀痛，而是已經釋懷的心情，也許作者已經能藉由設計大衛天堂的概念祝福已故友人到另一個新世界生活。

綜觀整個作品而言，觀眾可以明確感受到作者對已故友人的深刻懷緬及祝福，作者以影像處理的方式記錄自己情感的微妙轉變。美術品除了在藝術美學上的意義之外，更重要的便是作者自身情感的表達；換言之，失去了情緒的作品，就像沒有靈魂的軀殼，無法使人感動並產生共鳴。
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大衛天堂
林世偉(醫技一)

在參觀過美術館和許多作品後，其實最令我印象深刻的，就是參展於當代藝術館，台新獎的其中一件作品，名稱叫做大衛天堂。這個作品展於一個很大的空間，在那空間裡有五個投影幕，每個投影幕上播的都是一樣的內容，只不過作者將每個螢幕所播出的東西依序延遲了十幾秒，所以當看完第一個投影幕播的東西後，隔一會兒在第二個投影幕上會看到一樣的東西，然後接著是第三個、第四個、第五個。 影片中的內容，是有一個人，從花園走到室內，接著到了像是書房的地方，有一支筆懸在空中在一張紙上寫字，但鏡頭並沒有因此而停留，反而繼續的往前，到了浴室，接著又到了客廳，還有臥房，最後又回到了花園，然後又從花園到了室內，像是一個無限的迴圈一樣的不停播放著。 除了影片之外，音樂聽起來是單一的頻率，也較沒有旋律和音階的起伏，配上螢幕來看，有種懸疑且憂鬱的感覺。

欣賞完這件作品之後，我覺得這件作品應該是作者思念一位已故朋友的作品，從作品名稱中的「天堂」可以推測此結果。從整個作品的風格來看，給人一種較空虛、恍惚和憂傷的感覺，從影片中那個走路的人有點透明，和房間中漂浮的物品來看，有點融虛幻的事情在現實的空間中，感覺好像兩個不同時空和世界的東西重疊在同一個空間。 再加上影片不斷重複的播放，像是作者的情緒一直陷入悲傷的漩渦中，走不出來，才會一直不停的播放。

這次到當代藝術館參觀台新獎的作品，雖然很多都看不太懂，但是大略可以從作品中知道作者所要表達的大概意思是什麼，也培養了我欣賞和評論作品的能力，以後我也會多多參觀展覽，來訓練自己這兩個能力的。
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很膚淺&懾相
陳奕安(物治一)

今天很開心有老師幫我們導覽視覺藝術類的作品，在這期中，有幾樣讓我印象深刻而且很喜歡的作品。

其中一個就是周育正的作品，裡面卡通漫畫部分，之前就在北美看過了！當時就讓我印象深刻，藍色的背景顏色很搶眼，而那些似乎熟悉又有些不同的卡通人物剪影更是吸引我的注意，從這個螢幕消失，下個螢幕出現的可能又換了一個面貌，感覺這幾個螢幕是相連的窗戶可是又不是絕對。一直看也不會覺得膩，內容簡單但是不乏味，其中又帶一點新奇，很可愛且討喜的一件作品。整套作品被命名為「很膚淺」，意味著現代人經由視覺接受的訊息多為膚淺、簡化的表面現象，也許這正是我喜歡這件作品的某部分原因。在現代社會，電視是一種不用動腦就可以吸收資訊的物品，在長期觀看電視的情況下，人們很容易就會忘記東西本身的價值，而在吸收那些膚淺但容易取得的資訊，我想在觀賞完作品並了解作品背後的意義時，我發現有很多東西值得我去思考，也讓我對自己被電視的影響而有所檢討，這些都是讓我更喜歡這件作品的原因。

另外一個是「懾相」。在一個暗暗的大空間裡面，幾幅巨大的照片本來就很容易讓人印象深刻，而影像中所製造出來的詭譎氣氛更是吸引我的注意。每張照片都表現出奇異、古怪、陰森、怪誕又有點虛假的感覺，但是並不可怕，也帶一點幽默與可愛，越看會越喜歡，也會更想要仔細去看每個細節。每個人的動作都很值得玩味，表情也都透露出不同的情緒，再加上缺手缺腳、誇張的濃妝、浮腫的身體，這樣獨特的人物，卻融入非常現代感的背景，是一種衝突和虛偽，真的很特別，很棒的一件作品！

還有一個就是這次得了一百萬獎金的作品─「大衛天堂」。我覺得它分成五個螢幕，以一定的時間差距播放相同的影片真的很酷！搭配不同的影像製造出獨特的連續效果，這是單一螢幕所辦不到的！但是每個影像中仍帶有些許的不同，像是花瓶的矮胖和瘦高。片中若有似無的主角，讓作品帶有虛幻及不真實的感覺，也表現了作者為感念友人而創作作品的動機；人影從牆中漸出與漸消失，有一點像在這五個幕中移動，但卻不是；橫向的蓮蓬頭，在幕中連續時有非常壯觀的感覺；而那翠綠的草地，表現出一點天堂的美麗與生機；搭配有點暗沉的音樂，和昏暗的播放室，及影片緩慢的速度，讓整片有一些成沉重的感覺，是一種對逝去友人的尊重吧！是一件很棒的作品！

看完了視覺藝術類的作品，其實感覺收穫已經很多了，就像老師說的，一次展覽其實看一部分作品就夠了！因為看太多會吸收不良。這也難怪我每次去看展覽看到後面都會有點麻木和煩躁，有看不下去的感覺。所以我想說去表演藝術類的地方晃晃，並不打算要仔細看，等下次有機會再來看完。那區的展覽都以影片居多，而且大多是訪問的，所以我都沒有太仔細的去看每個作品，但是仍然有一些作品很讓人印象深刻。

其中一個是與桌子共舞的芭蕾。芭蕾給人的印象是古典的優雅的，將其與桌子結合，有時在上有時在下，是一種創意，但也多了一點限制與規範，讓我對這件作品有了一些好奇感。另外，在舞者訪談的對話中，他們也提到了一開始接觸桌子時其實根本抬不動，完全無法與他們上場演出那種靈活的程度連想在一起，很難想像其實那張桌子是很重的，在我們看起來好像沒有重量一樣，這也讓我很佩服這些舞者的勤奮與毅力。

另外，也看到了一點「反射的意義」的作品訪談，作者提到他希望人們要思考自己做事情的理由，而不是因為社為因素而產生的反射。這是現代社會大多數人的通病，也讓我思考和反省我自己的處事態度。

那天很幸運的，看到了其中一件作品「看的見的城市‧人 充滿空氣」在現場的舞者表演。他們的表演空間就在我們身旁，可是在他們的世界裡好像沒有我們的存在，舞者們自由穿梭在人群中，只與空間有互動，包含樓梯和窗檯等，巧妙的運用建築物中的各種空間，表現出一種忽視外人的看法與眼光的感覺。而舞者與舞者之間，在身體與心靈上的距離，時而靠近時而遠離，有時候互相穿越，感覺像想要了解對方，可是又有一點隔閡；想要靠近，卻又被隔離，同時包含了親切、陌生、親近和遠離，充滿矛盾；舞者們的體態有時柔軟，有時卻有點僵硬，表達出一種憂鬱的情緒，感覺好像被這個城市所遺留下來、孤立出來，不被注意。很難得看到一件舞蹈作品不是被侷限在舞台上，而且與觀眾是如此的親近，好特別，讓我非常喜歡，也很讓人印象深刻。這真的是很棒的一場展覽，感覺收穫很多，也讓我對藝術更了解了一些。
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靈魂攝相
張弘(醫二乙)

以前有聽過「台新獎」，但一直沒有那麼大的衝動去看，因為怕看不懂會有挫折感。修了這門課後，我已經看了許多展覽，雖然還是會有一些看不懂的地方，但透過老師的上課以及戶外參觀導覽，我覺得自己越來越能去想、去欣賞作品，也對自己越來越有信心。因此我對於這次台新獎的參觀相當期待。

參觀那天，我和同學一大早就抵達當代藝術館並入場參觀，我發現他們的票做的很精緻，是星星的形狀，我想那應該是和台新獎的「新」有很大的關聯吧。我對台新獎的宣傳封面也很感興趣，標題用英文寫著「How do you dress your art up?」。我認為原本應該要寫成「how do you dress your hair up?」，因此可以看出這裡把hair比喻成art，藝術就像頭髮，具有多樣性與豐富性，就看你怎麼發揮想像力把它拼湊起來，標題配上一位把假髮梳起來的男子，更顯示出藝術靈活的創意。由入口直接進入，可以看到紅地毯，地毯中間有個拿著台新獎的入圍名單的假人，最特別的就是當我走近時，忽然有鎂光燈一直閃，往旁一看竟是眾多記者影像的黑色厚紙板，其中相機的部份裝上真的鎂光燈。才剛踏進當代館，這樣的巧思就已經讓我印象深刻，我覺得設計者很有創意，不僅讓觀眾體驗成為鎂光燈焦點的感覺，也利用無限感應方式啟動鎂光燈的閃爍機制，結合了科技的美。

台新獎的各個作品都很有特色，其中最令我印象深刻的是吳天章的「懾相」。之前在鳳甲美術館有看過他的《瞎子摸巷》，而今天台新獎展出四件他的作品。每當我注視他的作品時，那種詭異、不實在以及死亡的氛圍就在那一刻，瞬間突破空氣衝向我的感官深處，讓我有一種難以言喻的窒息感。特別是圖像中的角色神情，我總覺得那微笑很不真實，讓人無法看穿圖片中每位人物的心情與想法，因此更顯得神祕詭譎。我認為塑造這種氣氛的一大關鍵是人物臉部的化妝，每張臉都畫的慘白、死白；腮紅、口紅更是鮮紅無比。這種打扮不禁令我覺得像是幫死去的人化妝的方法，而這些照片就像是死者的活動紀錄。這種效果和小丑很像，雖是笑臉迎人，但卻無從捉摸他的情緒，這也讓我聯想到蝙蝠俠電影裡面的小丑，那種邪惡的微笑令人恐懼而印象深刻。除了臉部的特色外，他們的服裝幾乎都是大紅大紫，這種俗艷的顏色除了增添一分詭異外，也頗具台灣較為俗氣的文化氣息。看過會場電視以及手冊上的介紹後，我終於了解吳天章所謂「攝相」的意義所在，原來「攝」之意涵來自清末人認為鎂光燈能捕抓靈魂，而「相」在當時是指死人的影像。所以拍照可以攫取某一特定的空間及時間，而保存靈魂，相片外的東西是活的，但相片裡的東西卻是死的。藉由這點我發現吳天章的作品就是一種遺照，不論是人物的臉、服裝，都富含「死亡」的味道。

「攝相」的這幾幅畫中，《瞎子摸巷》，我在鳳甲美術館時有看過，但現在看起來有更深一步體會，看的角度也較廣。《瞎子摸巷》中有五個穿著亮麗、臉部慘白的人，仔細一看發現這些人似乎都是盲人，手上拿著柺杖，搭上後面的都市背景顯現出他們的弱勢。我覺得這是一群在都市中冒險的盲人，一個搭著一個前進，彼此互相依賴。而照片中的五個人腳底都踩著同一個木板，暗示他們是緊連在一起的，不管遇到怎樣的環境都一樣，《瞎子摸巷》表達出都市的險惡，弱勢的人該如何在都市中生存?有誰願意幫助他們?這樣的議題值得我們省思。另外還有《夙夜匪懈》、《日行一善》、《永協同心》。

《夙夜匪懈》中有一人和牛結合在一起，手上還拿著一把槍。牛在以前的時代是勤奮耕田的動物，所以人與牛結合表達出他的勤奮，但手裡拿著槍，卻又有另一種不同的意味，再看看前面倒過來的人，我感覺到拿槍的人好像在威脅前面的人，或許是因為他好吃懶做所以要受到懲罰。表面上看似不認真工作的人終將受到處罰，但我覺得它也隱含著有些汲汲營營的人利用他人以達成自己的利益。

《日行一善》中兩個一模一樣的人用擔架抬起一個比他們兩個都胖的人，這本應是一份滿累的工作，但我覺得比較奇怪的是，這三個人都面帶微笑，這讓我不禁暗想，或許這兩個抬架子的人是裝出來的。現代社會中，有些人不懂得體會別人的辛苦，只懂得從別人那裡得到恩惠；而有些人表面上願意幫忙，實際上卻只是假道義，其實內心很不滿。從這張作品我看見了現今社會的兩種面向。

《永協同心》中，有兩個一樣的人一同騎一輛協力車，奇怪的是，前面的人沒有腳，用手扶方向盤；而後面的人沒有手，用腳踩踏板。當下我就看出它與主題的契合。「有錢出錢有力出力」在這裡變成「有手出手有腳出腳」，而就宗教上的觀點來看，這似乎就是輪迴的概念，伴隨著因果報應循環，上天安排他們今世必須相互依賴，相依為命。這就是吳天章的作品與宗教有所聯結的部份。

從展場旁的小電視中，我看見這些作品的拍攝歷程，每個人物都是真人親自上妝、穿著特製衣服、配上特殊道具，以白色為背景拍攝，後續再搭上背景。我覺得這樣的創作方式很辛苦，因為要找到合適的人，且要製作極特殊的衣服以及道具，最後還要拍到合適的動作和表情。但優點是作家可以依自己的想法搭配其所要的效果，而更能表達出藝術家內心本源的藝術理念。吳天章的藝術創作充滿神秘，但若仔細品味，不難發現其內部蘊含很多值得深思的道理。許多他的作品都脫離不了宗教上之傳說與因果循環，對於現今社會中只重視利益的人而言，無非是一大警惕。懾相，透過這些照片，不僅表達了一些社會黑暗面，同時也希望藉由作品來喚醒一些仍浸於塵俗之人的道德意識。台新獎各作品的用心，從展場的佈置就可以看的出來，像是樹谷園區公共空間藝術設置，展間的地板上布滿黃土，讓觀眾很有親臨考古開發現場的感覺，其用新的程度值得敬佩；其他作品在樓梯間等許多能利用的地方都有投影幕播放影片或是加入其他的裝飾元素，豐富了整個展場。這次的台新獎，打開了我視野感官的另一扇窗，看得更廣，想的更深。欣賞與分析吳天章的「懾相」，訓練並提昇了我的觀察力，我發現原來每件作品的背後都有那麼多的道理，而這些意境要靠我們敏銳地觀察與沉思來體會；從吳天章的作品中，我了解到原來錄相圖片中的每個小細節，人物的每個小動作都具有意義，有想要傳達些道理；而作品的製作過程也有許多值得我們討論的地方。從這次的參觀，我不僅飽足了一場視覺饗宴，也得到心靈與觀察力上的昇華，收獲匪淺。
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[懾‧相]
杜卉珺 (護理一)

一開始進入 [懾‧相] 的環境裡，就讓人有種陰森的感覺，沒有什麼燈光、牆上的畫給人一種恐怖的感覺，我那天因為沒戴眼鏡看東西都朦朧朦朧的，所以遠遠的看就只看到白白的，心裡挺不舒服的！後來走近一看，那種感覺就更不舒服了，因為我看到的是肥肥胖胖的人臉上都白白的，臉上雖然掛著笑容卻是讓人很不舒服的那種笑容，有點像是奸笑又不算是，所有的人物都掛著一種深不可測的笑容，跟畫面完全不搭軋，因為所有的人都面帶著笑容穿著光麗鮮豔的衣服，但整幅畫卻是黑暗無明的。

我在想，他應該是想要表達諷刺的感覺吧！就跟很多藝術家一樣，但是我實在是不能了解他其中的最深意義，我只能感覺到他用這種詭異假面的笑容，或許就是想表達在這個社會上就是有很多人都帶著這樣的面具在過活，有太多的人都是用假面跟人打交道，真心早已不知去哪裡了！另外，他們穿著光鮮亮麗的衣服，也許是想要表達人們只願意表現出自己美好的一面，而不願意別人看見自己的缺點吧！想用華麗的外衣裝飾自己，卻怎麼樣也改變不了自己醜陋的一面。感覺整幅作品就是用「假」這個字貫串，所以的意像似乎都在表達這絕對只是假象而已，或許我也被這假象給騙了吧！
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兩件作品
許永楨 (醫一甲)

前面幾次都因為回家的關係而沒有跟老師同學們一起到美術館參觀，雖然之前曾經跟同學來過一次，對於這地方並不陌生。但是這次到當代美術館與老師一遊，感覺十分的不一樣，似乎，我得到了欣賞美術作品的另一種看法。

剛進入之前展覽「呼累」的大廳前面，我原本期待著老師可能會像那件作品一般突然出現，但等待了一陣子之後才知道原來老師早到了。跟「呼累」一般驚奇，不過讓我感受到的卻是一股不好意思的感受。

進入到台新獎的展覽空間，才發現原來這裡的作品是由各地的展場選出的優秀作品。第一件作品並沒有非常吸引我，反倒是之前在北美館見到的錄像作品令我感到十分有趣。那在電視螢幕中走動的面具人形是誰呢？我問了自己數次，不過沒有答案。我曾經認為看一件作品必定有我可以述說的心得，而認為其他人「我看不懂」的想法是可以更積極的。但是今天仔細一想，沒有想法也是一種心得，如果自己心理早已有了定見，反倒就失去了作品本身要呈現的意象了。隨著較慢上樓的同學越來越多，我的思緒就跟著大家一起向前，剛剛的想法一掃而空，準備接受下一項作品的洗禮。

走進下一間展區，我看見的我從來沒有看過的展覽方式－整個展覽過程的一次呈現。雖然看起來還是有點為某個公司打廣告的意味，但是裡面所透露出的用心設計，我能感受的到。穿著鞋套在裡面走的氣氛很特別，但是設計者似乎還是希望我們能用雙腳親自感受腳下的泥土吧，不然何須將展場佈置成如此呢？希望推動這個計畫的公司，能夠將設計者的理念持續實踐才好，否則到了百年之後，數目無人照顧的景象可是會令人不勝唏噓。

再來就到了這天的重頭戲之一－瞎子摸巷等一系列作品。我承認照片中所有的模特兒化妝成那樣有點令我作嘔，但是或許作者就是想以他們的特殊化妝來讓他們的表情突顯出來。因為在每一幅作品中，模特兒的表情幾乎都是同一個－大的嚇人，在以前廣告海報中才會出現的咧嘴微笑。諷刺的是，他們的行為卻顯得荒唐，甚至本身就有令人恐懼的意味存在。作者尤其喜歡在每個模特兒上做出錯位的荒謬，如協力車上前方的人失去了手（沒人能夠掌控方向），而後方的人失去了腳（主要的動力來源沒了）便是一個鮮明的例子。以我的觀點來看，這個作品的社會批判性最強，彷彿每個細節都在向我咆哮這個世界的荒謬矛盾。可惜沒有太多時間欣賞，不然我可能會在那裡為這些意念哀悼五分鐘。

最後，大衛計畫。

老實說我不懂他的名字有什麼意義，是要打造一個人、物或神嗎？可是在我看完之後卻有一種追思的感覺，似乎大衛是作者的一位老友，在作品中擔任主角。可是，實在有許多東西讓我覺得這個大衛已經不再這個世上了。從違反物理定律的房間、浴室、自動寫字的筆，最後再加上主角的半透明形象，看來就像是......作者在顯示他跟大衛在一起的時光、大衛離別後想要跟作者說的話以及他已離去的事實。作品的開頭結尾皆有一種超然的平和感，反倒讓我覺得中間的劇情顯得緊張可怖，或許大衛的離別對作者來說並不安詳吧，我想。

根本沒有看完全部的作品就離開了，但是卻有著充實的感覺。也可能只是因為我想睡了，面對外面的陽光，在想想剛剛看到的那兩件大作，忽然覺得自己活在世界上是十分幸福的事。於是，快樂地，我回到了學校，現今跟我的生命最相關的地方。
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閃燃
陳智婷(醫一乙)

這是我第一次參觀當代藝術館，紅樓的外表顯得古色古香，然而，感覺和裡面展出的東西有點反差。這次的展覽是「第七屆台新藝術獎入圍特展」，展示了國內許多優秀的作品，內容包羅萬象，有舞蹈、音樂、戲劇等等。而它的門票形狀也很特別，是星形的，非常有趣。

而在這次的參觀裡，最讓我印象深刻的是由藝術家潘大謙所創作─「閃燃」這個影像裝置作品，由多個影像組合而成。因為物理課才剛上過這個火災常發生的現象，閃燃是當溫度達到某一點，因熱輻射的關係，產生類似「隔空點火」的現象，是火勢蔓延的原因之一。

「閃燃」這一系列作品，鏡頭大多是從看起來很溫馨的居家擺設開始，接著鏡頭漸漸拉近，逐漸專注在一個物品上，通常是能反光的東西，像是茶壺，而此時，看起來平常的物品的表面上，竟然出現戰爭場面(影像合成)，有槍擊或是炸彈爆炸，就像物理現象「閃燃」，烈火突然引發一樣。

看似安寧的居家環境裡，竟然藏有如此慘絕人寰的戰爭影像。我覺得，這其實反映了現今社會，相對於中東半島的戰亂，台灣是個較平靜的國家，感覺上那些國際間的戰事，離我們很遙遠，頂多看看新聞，知道有發生戰爭而已，不會很在意，然而，在這個地球村裡，牽一髮動全身，之前打得火熱的美伊戰爭，間接影響了台灣的經濟，像是石油價格的波動，有點像「閃燃」，隔空引爆危機的感覺，看起來安全的居家環境，只是表面的平靜，其實底下波濤洶湧，只是我們習慣性忽略，或是漠不關心。
而展場裡播放著伊斯蘭教的聖樂，有點像是替這些參戰士兵祈福，激勵士氣。也無形中牽引著看展人的思緒，因為是伊斯蘭教的聖樂，使我們自然而然將影像中的戰爭與中東半島的戰事做連結，而比較不會做其他思考。看著從溫馨的場景轉換到戰爭場面，耳中聽著激勵人心的聖樂，不禁讓人從新思考，在平常的生活中，我們是不是將太多東西視而不見，活在由安寧的幻影建築而成的象牙塔中。

但是，當我看完了館內發下來的簡介時，我發現作者想要傳達的意念和我想得不太一樣，那些溫暖的居家環境象徵著台灣的特殊產品「樣品屋」，而緩慢的鏡頭移到一個反光點上，藉由合成模糊的「外在世界的真實影像」(上述的戰爭場面)，與之前的溫暖氛圍相比，使我們感覺到強烈的衝突感。樣品屋的本質是由幾片簡易板子搭建而成，裡面的家具只是為了吸引消費者的目光，看起來高級的家具與樣品屋實質是不均衡的，藉由戰爭的影像，顯示所謂的真實，也顯示台灣的特殊消費經驗，過度著重於外表的包裝，忽略了物體的本質。

同一件作品，從不同的角度來看，會產生不同的解釋，這也是藝術有趣的地方。或許下次可以和同學一起來看，分享不同的心得。(也可以讓我壯壯膽子，因為一樓的展場牆壁為了投影，都是黑的，看起來有點可怕，讓我不敢久留，尤其是浴缸裡出現人的臉，嚇了我一跳，感覺像到了命案現場，是這次參觀的小插曲吧！)
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反射-很膚淺-懾相
陳芮瑜(放一)

沿著參展路線走，第一個引起我注意力的作品是吳俊憲《Double C舞團-反射》。一走進那個空間，觸目所及的皆是箭頭。地板中央的箭頭最為集中，然後向四周，以同心圓的方式擴散到四面的牆壁，形成一個相當玄幻的空間。在館裡觀看作品的節錄時，我總覺得那些舞者們，好像是照著地上箭號的指示方向來行動，所以他們的舞步時而密集、時而凌亂，沒有什麼固定的規則。感覺又有點像是喝醉酒的人，認為自己是在走一條直線，但看在他人眼裡卻不是那麼一回事。他們似乎是想走出屬於自己的一條路、走出自己的一片天，卻仍是下意識的，受到已塑造好的道路所影響，無論如何掙扎，都擺脫不了既定的枷鎖。

再來，讓我雙眼為之一亮的，是周育正的《很膚淺》。這已經是我第三次看到他的這個作品了。我覺得他的作品很容易引起大眾的共鳴，也給我很親切的感覺。第一次在北美館看到時，只覺得很有趣，可以看到許許多多的卡通人物的剪影在那裡行走著。一邊觀賞，一邊回憶著過去的童年時光，還可以和同學們互相較量一下，看看誰可以認出最多位卡通人物！不過，那時的我並未深入思考，這位藝術家所想要表達是些什麼。

這次來到當代藝術館欣賞這件作品，一開頭看到的是一大堆的星星、老鷹的圖樣，簡單的說就是美國國旗啦！很像同時還有播放美國國歌的樣子，但我不是很確定，我和它並不是很熟……反正，我認為第一個展間就是拼命的對著我們這些參觀者，尖叫“美國”兩字。第二個展間我不予置評，因為我看不懂他在做什麼，而且每次我一走進去，很像就是影片剛結束時候，真的是讓我感到相當的無言……第三個展間，也是最後一個展間，有一部份就是我在北美館所看到的。其中一面牆上，則是有著一個代表說話的框框，裡面不時變化著許多常常可以在電腦看到的插畫、動畫人物。房間四個角落也各放一個營幕，還會發出奇怪的聲響或閃光。

總而言之，我覺得最後一個房間很好玩。不過，我想，我應該同樣可以理解藝術家所想要表達的。因為，我自己也經常會有和他同樣的想法。在大眾傳播媒體的攻擊下，在美國文化的強勢入侵下，許多有深度、有想法的文化都逐漸消逝。所留下的，僅僅是些徒有表面工夫的事物。或許在一開始時，這些文化也是有其意義與內涵的。但是，隨著時光的流逝，所謂的大眾文化很像失去了其宗旨。

接著，繼鳳甲美術館之後，我再度看到了吳天章《懾‧相》。記得當初在鳳甲美術管看到時，我腦海裡只靜靜地浮現一句話……「這是鬼片的劇照嗎？！讓人毛骨悚然的！果然可以做藝術家的人都不是很正常，我完全無法理解其思考模式！！！」……不過，在聽了老師的解說後，我才大概知道它所想要述說的內容。這次一共看到了四件作品，除了老師帶我們欣賞過的《瞎子摸巷》以外，最令我印象深刻的是《日行一善》。那件作品真的是讓我感到極端的虛偽、極端的諷刺這個社會。政治家們總是高高在上，不食人間煙火。他們無法理解、也不需要真正去了解現實社會的艱苦。

最後讓我有所感觸的是潘大謙的《閃燃》。同樣的，剛開始我不知道他在做什麼。只知道有好多個鏡頭，由不同的角度在拍射室內環境，然後鏡頭就一直不斷拉近。拉近、拉近！直到視角被某個物件的反光點所佔領！那些在工業革命後，所陸續製造出的高科技產物的表面上所浮現的，是中東各地區的殘酷戰爭與動亂。槍聲！尖叫！吶喊！迴盪在和平的、民主國家百姓的屋裡……同時，亦伴隨著越來越高昂的聖戰歌聲。當我們正在抱怨下個禮拜又要小考時，不遠處，有人正為了下一餐飯而想破了腦袋。當我們正在埋怨生活太無趣時，不遠處，有人正為了生存而殺戮。寧靜安祥的室內空間，與城市的激烈巷戰、游擊戰的場面形成了鮮明的對比。悠揚的歌聲，似是人民垂死的低泣……
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看的見的城市
李逸容(醫技一)

在星期假日美好的午後，依約前往位於長安西路上的當代美術館，一睹台新獎入圍的作品們，剛開始很傻的迷了路，打了電話、問了路人、流了汗水，千辛萬苦之際，終於到達目的地---外表保守，內頭卻設計新潮的當代美術館。

剛開始覺得這台新獎的作品怎麼都擺設的像是恐怖片的場景，每一個小隔間都暗暗的，其中以轉角處大個中央有浴缸的那個為甚！剛開始就對它陰暗和牆上的那些用粉筆有點瘋狂的字跡們感到毛骨悚然，之後越過牆更被那中央打了燈的浴缸嚇到差點尖叫、急步逃出，然而，即使恐怖卻也深深吸引著我，於是在老師導覽完解散後，抱著十足的準備又再度進入。

我覺得這是個整個氣氛設計相當成功的作品，入口的陰森強、一轉身就看到浴缸的驚愕感，室內僅擺置打燈的浴缸突顯強烈的不安、躁動以及深沉的寂寞，浴缸中央投影一個閉眼的人影，像是探險家進入某個考察的地點，些微的詭侷，分不清是現實、亦或是自己害怕的投影，場內更由一些激動、獨白的言語，帶動整個氣氛，角落還有一盞泛黃的燈打在有如審問犯人的靠背木椅，高高暗黑的牆隔離出一個小空間，孤零零、無助的，整個場景讓我聯想到精神錯亂的少女，因受到刺激而犯了錯，有點想同情、卻又不自禁的畏懼。

由第一次的奪門而出與再進入細細品味之間，印證了有些作品是需要一看再看，才能發現其中的奧秘、感受作者的心境以及贊歎。

另一個讓我驚訝的作品是---看的見的城市，人 充滿空氣，第一眼發現這個作品是在樓梯間的投影，為他在電梯內的舞蹈讚嘆。之後在走廊上，不經意的發現一個身穿黑衣的女子，失魂、忘我的在窗邊擺姿勢，旁邊甚至有人在拍攝，還以為是戶外攝影。

這個作品充滿想像空間，因為同一個動作或律動，在不同人眼裡可能各有春色，加上大腦豐富的想像力，數個連環的動作譜出故事，沒有音樂，所有的情緒都由舞蹈者的動作牽引著，有快有慢，充斥著日常生活中平凡的地點，貼近真實，但現實中這些動作又僅會存於想像，這是很厲害的地方！運用樓梯腳步像拖把般將每階的每一處都劃過一絲足跡，倚著、靠著牆，不像正常步法就只是向上到目的地，有沉思、有急躁，表現出內心的躁動和波瀾，這麼說有點抽象，就來舉個例說說我看到他們表演時想到的可能小故事吧！

事情是這樣的，在懵懂的少女時期，對愛種有許多的幻想，友誼間，因為強烈的相互依賴和信任，卻也緩緩的醞釀出一絲不一樣的情感。兩個人都說不出那是什麼感覺，些許的激情，帶著罪惡感，只知道不能少了對方，內心有些許的徬徨和恐懼，逃不出陰暗的漩渦。有一個不斷的鼓舞另一個人，追隨她、緊抱她、阻攔她將她的視線灌在自己的身上，像是催促她看清這份感覺；而另一個人卻很猶豫、逃避、看著窗外、抱頭蹲坐於牆下、失神的遊走。

整個作品的都是臨場依著自己身體的韻律舞蹈，因為在走到上難免會有些參觀者，根本無法預期會有多少人、他們站得位置，還有一段是兩人在追逐，剛好有人走來，她們就順勢的運用那兩個人，繞圈玩鬼抓人，而且也好佩服她們的勇氣，能這個”貼近”觀眾---就在我們身旁表演，不僅需要勇氣，還得記好自己的工作，不被參觀者們打擾，既融入又相隔，令我嘆為觀止！

這次參觀還有看到之前去鳳甲就有看到吳天章的攝．相，在陰暗的燈光下，只能說這真是令人更感到詭局邪惡了，另外就是大衛天堂這個作品，些微玄虛，像一個人在回憶過去，鑽進、走過一個個曾經熟悉的地方，五個不同時間，同一段故事的投影編排，似乎是想用以表示時空的不同也也像是一再回憶。加了點幻想，漂浮的椅子，讓現實虛幻，搞不清是作者回念死去的朋友，亦或是死去的朋友回來，更或許是兩人互相的掛念，到同一地點以同一方式回憶。

想分享的心得大概就是這樣了，有些作品言語真的很難表達內心的情緒起伏，唯有自己親身體驗，才能瞭解，不過有些作品真的很需要事先講解，不然就算在麼體驗，也很難瞭解作者們想表達的東西，這就是藝術。最後，帶著參觀藝術展覽後滿足的心，在黑板上留下幾個字證明自己曾來過，踏出當代美術館，想著要快快回家陪媽咪過母親節，走著走著，又走錯路了…
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由「囲」論現代藝術與生活
林騰立(醫二甲)

天工開物，有生之初，藝術便隨生命流轉，而依時代塑其面貌。不論是傳統山水中潑墨和金碧的襯照，抑或是舞台上雜劇與京戲的對白；乃至於西方畫派從巴洛克、洛可可、古典、印象之層層累進、歌劇因應時代的衝擊而激盪出不同樣貌的浪花，藝術所呈現的乃是一種當代的語言，一種現存生命與外在環境的對談。史學界流傳著這麼一句名言：「所有的歷史都是當代史。」其實何止歷史，所有的藝術也是當代的藝術，那是藝術家在歷經時代衝擊後從內心剖析出來的真實感受。

而綜觀此次入圍台新藝術獎的各方佳作，實乃上述「藝術是當代的藝術」之論最佳的明證。如同黨劇團以喜劇手法突顯台灣人面對兩岸困境的無奈；如「請聽我說－－豪華加長版」翻轉莎士比亞戲作台詞以諷諭現代人獨有之矛盾愛情觀；甚至動見体團體以漢字形象赤裸裸地直述出當今台灣社會各種文化之面貌，皆說明了藝術乃是精神內涵混融於時代的一種表現。而在諸多入圍的作品中，我私以為台北首督芭雷舞團的作品－－「囲」，格外吸引觀者目光，不止緣於其譜寫當代生活的舞步，更在於那舞步中有著一身被禁錮的靈魂，那是當代人受狹隘生活擠迫而近乎窒息的靈魂。

藝術作品之取名若佳，往往能收畫龍點睛之效，尤有甚者，更是以作品名稱引襯出藝術之內涵。「囲」即是這麼樣一件以命名揭櫫內在靈魂的舞蹈。「囲」者，音與通同，依其發音所得聯想不免為寬暢、舒通之意；然由其象形卻又不禁臆測囲字是否解做堵塞、困閉。事實上，囲字確實解作為「圍」，觀形辨義而可知其為封禁之意；然其讀音對比於字本義的反諷卻不禁使人為之莞爾，也使人驚歎台北首督芭雷舞團命名之巧、之精！

就「囲」一舞而言，其舞步中所欲呈現的是一種現代人對生活的反思，而舞者的律動與各道具所象形的意涵則實為當代人在不得喘息的生活中一個抒發的窗口。台北首督芭雷舞團本身雖以芭雷舞聞名，然而此作品卻以現代舞呈現現代人「欲通實困」的困境；自然此一概念已多見於文學著作中，但藉以人的軀體直接而誠實地表達軀體所受層層圍困之苦，無疑使這份被圍困的心靈更加寫實、更加怵然衝擊於眼前。新文化運動後，文學界多喜談論「我手寫我口」的白話創作，而「囲」作品之誕生，無疑宣告著「我身舞我心」的時代即將來臨；較之文字呈現當代生活的苦悶，更有另一番滋味。

那麼，且讓我們進入台北首督芭雷舞團的舞步中－－「囲」。

時代之變遷會雕塑專屬於時代的面貌，以當代生活論之，現代人的生活多踩踏精緻、效率與快速之步調，生活上要求的是精確與迅速，而步調是否優雅、是否從容則逐漸乏人問津。惜取光陰原來無可厚非，那畢竟是生存於現代社會必循的途徑，然而事事均追求效率卻使得生活緊張而不自在，身與心也因此受困於時間之倉促與空間之壓迫不能喘息。可歎的是，即便當代人對眼前的生活感到無奈與不適，卻無力更無從去改變它，只能自愚愚人的以各種手法加以文飾。「囲」便由四張長桌、數個透明箱拉起序幕，簡單的佈景似傳達悠然的心境，卻也令人從過份樸實的舞台上嗅到一絲枯燥單調的刺鼻味。視角乃從冷清的場景轉移到舞台前方的魚缸，金魚悠游的身影顯得怡然自得，彷彿生活的安祥自在盡存於鰓紅的搏動與尾鰭的輕擺；豈料一回神，玻璃缸的反光赫然刺入眼簾，殘酷地映証著枯燥與單調的揣測－－那是侷限的時空對生命的束縛！

舞者續以顫抖的身軀出場，好似龐大的擠迫正加於其身，他痙攣、他抽搐、他痛苦地舞動身軀，演繹離水的金魚渴慕魚缸外不受拘束的浩瀚，卻怎知一出水便幾乎窒息，幾乎瀕死於水缸外過分自在的氧氣。於是金魚只能重回玻璃缸構築的藩籬，恰如現代人只能綑綁自身於中乏味枯燥的水缸中－－這無疑是一種矛盾的悲哀，一種現代人希冀自由卻不得不自縛的悲哀。

隨後樂音揚起，音符的躍動交織成時針與分針的腳步聲，每一個時刻似乎各有其空靈，有其激情，有其平靜，有其歡愉；卻在側耳靜聽後發覺其週而復始的規律－－這樂音是不斷重複的！這曲是未曾流動的！這時間竟是靜止的！於是八位舞者以OL衣款出場，機械化的舞步低沉地述說著數日如一日的乏味，彷彿一個個遭時間綁架的靈魂，正以規範而制約的動作循環著近乎癱瘓的人生。而又豈只是樂音重複，舞者的軀體竟也似上了齒輪的傀儡，舉手投足的精確諷刺著行屍走肉的人生，令人瞿然致乎一身冷汗。正喟歎間，那一個個被時空綑綁的身軀開始四處奔走，每個軀殼中都可以想見一個渴望自由的靈魂，似想吶喊卻被扼住喉嚨，只能默默隱忍於「囲」的當代生活中，然後，鬱鬱倒下……。舞者的「掙扎」乃在這瞬間豁然解脫，卻留給了觀者更深的驚疑與反思。

以現代人生活的角度看「囲」，這舞確實是難有歡喜的落幕的。畢竟「囲」不願掩飾現代人所遭逢的生活枷鎖，欲直白呈現便只能留給觀者無盡的掙扎。在這一時無解的生活難題中，藝術之價值乃由「囲」一舞展露無疑，「我身舞我心」想來不只是台北首督芭雷舞團躍動於台上的原因，更希望藉由舞步將現代人由無味而狹窄的時空綑綁中喚醒－－不只是一、兩個人，而是一整個都市、是成千上百的靈魂；而當那一日來臨，被禁錮的身心才能從自縛中解脫，台北首督芭雷舞團的舞者也才能以自在而開闊的舞姿，平和收場。一舞「囲」，有其幕起，也有其幕落，但藝術喚醒生命對眼前時空的反思才正要開始；且讓我們由「囲」走入藝術，由藝術走出苦悶的生活。
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漢字寓言
黃蕙華(物治一)

時間上的無法配合沒有跟上老師帶大家一起去的場次，而是趕在展覽的最後一天自行前去觀賞，沒有任何的導覽或是解說，透過自己的五官感受最直接純粹的藝術衝擊。在中山站下車，往台北車站的方向沿著捷運大街走，藝術長廊上展示著若干某學校資料處理科學生的作品，雖不是當天參觀的目的但也有著讓我印象深刻的作品。一個巨大的沙漏立在畫作中央，靠近底部的一端一個人蜷縮在傾洩而下的沙子中，感受到對於時間不斷流逝卻又無可奈何的無奈與無力感。相對龐大的沙漏給人無比的壓迫感，時間的不等人我想是都市人們共同的感受。
回歸這次看展覽的主角，當代藝術館整個館體是利用古蹟改建而成的，無論外觀或是內部走廊無處不散發出古色古香的氣息。這次的主題是『台新藝術獎』的入圍特展，此獎已經開辦第七年了，主要分為視覺藝術類與表演藝術類，獎項表揚了台灣當代藝術中富開創、專業、時代精神的創作，分享創意、美感以及表現活力。同時，也會評選出一個橫跨視覺藝術類以及表演藝術類範疇的特別獎得主。展場中所看到的作品，都是從去年數以千計的活動中所脫穎而出的創作結晶，競爭激烈的同時，也無形中增加了整個展覽的精采度與可看性。

上了近一學期的課程至今，對於〝錄像藝術〞雖然還稱不上完全了解整個發展脈絡，但也多少有些初步入門認識。〝錄像藝術〞有別於傳統藝術素材的侷限，大量運用多樣複合媒材裝置、新媒體科技，結合影像配置所構成的藝術。作品所表現出的不僅僅是創作者的靈感，意境的表達更與整個展間配置搭配得淋漓盡致。小至作品中素材彼此間的相對位置，大至配合整體投影機與光線的交互投射，讓觀賞者充分融入作品情境置身其中，進而思考體會創作者所表達的意念，我想這也是錄像藝術最為迷人獨具特色的特點。

這次期中報告我所選定的作品評論主題為『漢字寓言未來系青年觀點報告』。漢字相對於其他國家文字最為特別的點在於其有獨立性，是單一卻又可以拆解的圖像，能夠拼湊出獨有的輪廓與性格。2007年日本年度漢字為『偽』，大陸喊『漲』，台灣是『亂』。如果能夠憑藉一個漢字展現當代的世態，從中看見人們回應社會的觀點，那麼是不是年年都能選出一個年度漢字作為代表？此藝術表演以社會觀察作為主軸，表現年輕人對於當今台灣社會與文化各面向的觀感以及詮釋。從經濟、政治、文化、藝術、教育、哲學切入，回顧並總結整理2008年度時空世態，總共發表了十個漢字，它們一同交織出這世代對社會的觀感與語彙。十個字包含了『掙』、『罰』、『泡』、『寂』、『忘』、『讓』、『凹』、『群』、『絕』、『勿愛(ㄇㄞˋ)』。雖然沒有實地到轱嶺街小劇場欣賞演出，但透過裝置藝術的巧妙結合，加上一旁的解說文字，仍能感受到創作者熱切想傳遞出的訊息。

『泡』的裝置簡單明瞭表達出泡的概念，一個大大的文字周邊圍著一個大大的圓形，泡字被泡包圍著，沒有其他多餘的配件。想像整個世界是個大泡泡，每個人也都是泡泡。泡泡總是飄來飄去居無定所，輕盈又脆弱，柔軟卻又飽滿張力，用水包住而成為的泡泡。泡泡的意像是美麗的，同時也讓人感到是個隨時可能會破碎的夢境，一個既虛幻又真實的存在。

『寂』的裝置是個立方盒子，立方盒子代表著房子，房子內的IKEA裝潢乾淨整潔卻也讓人感到疏離，小小的人兒在巨大房間的壓迫下更顯孤單渺小。世界是寂寞的，空氣是冷峻的，小小的空間彷彿空氣冷凝，寂寞的事實是使人錯愕的。一個在外頭再活潑再活躍的人，在面對空無一人只有自己的空間時，是否陪伴身旁的都只剩層層堆疊的寂寞。其實每個人都會寂寞的，不是嗎？

『絕』的立方盒中放入了若干法醫檢驗屍體時使用的器具，冰冷僵硬的鐵器上鋪著一層薄薄的灰塵，孤獨又寂靜的躺著。看到絕這個字的時候想到的是什麼？絕望？絕境？絕字不管與怎麼樣的字詞作配對，都讓人有種被逼近牆角的強烈壓迫感。不知怎麼的，『絕』的立方盒裝置給了我很大的衝擊感，特別查詢了『絕』字場次的表演，就如同此字給人的感覺一般，這是一段很悲傷的戲。死亡，說穿了對於任何人都只是時間的問題、一場行屍走肉苟延殘喘的延續，演員演出了對生命最簡單的絕望，並且在尾聲真心誠意的對世界作出最後一聲呼喊。

會選定『漢字寓言』這個作品作評論是因為很喜歡中國文字，它們不僅是我從小到大所使用最熟悉最親近的語言，更因為漢字單一存在時的美感遠遠超越了字的形體本身。不管是獨立出現，或是鑲嵌於詩詞之中，隨著觀賞者自我性格、人生歷練或是當下情緒捕捉的不同富涵多重意義，給人無限想像發揮的空間。文字結合戲劇，以戲劇的方式文字作主軸，演出七年級生對社會的吶喊。戲劇所能做的對於人生對於社會，或許無法改革什麼，但它具有回顧整理和想像的能力。〝報告〞二字的使用便是動見体團體向外界發聲的第一步，新一代創作者擺脫從前的保守，向社會注入嶄新的價值觀和年輕思想，所做出的這份集體創作卻又各自獨立的戲劇作品。

這次台新獎的入圍特展讓我感受到許多不一樣、未曾體驗過的感受。透過錄像藝術的表達方式，各自獨立的小房間充分加深了融入感。雖然沒有依靠導覽解說，但憑自己的感覺努力解讀創作者的想法，也是另一種收穫。
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反射
醫技系一19703013李恩雅

對於每天到中山站轉車上學的我，台北當代藝術館自然是參觀首選，雖然知道附近有間當代藝術館，但直到參觀當天才知道它的確切位置～這對方向感不甚好的我可是一大突破啊ＸＤ

買了很可愛的星形票進入展場，發現幾乎每間都黑漆漆的，頗有上次在北美館參觀的感覺，其中使我印象最深刻的是Double C舞團的「反射」，展場地板上貼滿了如濺開水花般的白色箭頭，編舞者認為生活中已充斥太多複雜的符號，所以將符號簡化到箭頭，箭頭是保護亦是種限制，觀賞者藉此反思；我們的反應到底是「自己」的反應還是為了配合別人的答案而做出的反應？

表演中有一段是舞者坐在地上比中指，比中指在現在社會中是個不雅的動作，用來表達自己的憤怒或厭惡，但這個動作本身是中性的，並不代表任何意義，是人們共同定義它，賦予它特定的意義才造成的。就跟我們周遭的事物一樣，本身沒有意義。好比提供人類便利生活的座椅，是我們為它取名椅子，它才成為椅子的。這讓我聯想到《公孫龍子•名實論》中說：「天地与其所产焉，物也。天地與其所產焉，物也。 物以物其所物而不过焉，实也。物以物其所物而不過焉，實也。」什幺是名实？一个物体、一件事情、一个动作、一种关系本来只是自然而然的存在在世界上，并没有自带什幺名字，也并不依赖于称谓它而存在，我们把这样的物体、事情、动作、关系叫做“客观实在”，这就是“实”。一件事物、一個動作或一種關係本來就自然的存在世界上，也不依賴於它的名稱而存在，這樣的物體、事情、動作、關係叫做＂客觀實在＂，就是＂實＂。人类来到这个世界上以后因为要和它们打交道，为了分别它们，方便自己，才给各种事物取了种种各不相同的名字作为它们的代号，这就是“名”。人類為了區分和方便，才給各種事物取了不相同的稱呼作為代號，就是＂名＂。事物一旦有了名，原来的事物本身仿佛从此找到了一位替身，人们也习惯于利用事物的名来进行交流活动，仅仅是到了需要的时候，才把名还原为事物。事物產生了＂名＂，原來事物本身彷彿找到了一位替身，人們也習慣利用事物的名來進行交流活動，除非需要的時候，才把＂名＂還原為事物。
舞蹈中有時候燈光會投射到觀眾身上，或是突然跑向觀眾，造成觀眾的壓迫感並產生畏縮、後退等＂反射＂，這樣一來觀眾也成為作品的一部份，讓表演不再是舞者跳舞者的、觀眾看觀眾的，藉由互動完整了整個演出。我们定名的时候只要定义某个语言符号代表某一客观实在就可以了，并没有考虑很多其它的东西，但是在我们使用这一语言符号的时候就会发现有时候事情并不是这幺简单。

此外，有一段是一名舞者站在中間，旁邊三位舞者經由＂遠距離的碰觸＂讓中間的舞者產生反應，這也考驗了舞者的記憶力，先是耳朵，接著是手指頭……等。最後中間的舞者變成對相反的部位做出反應，例如被碰觸右手，舞者的左手就會產生反應。她的一舉一動也讓我回想起小時候憤怒使性子時擺手跺腳等動作，不禁會心一笑。

人們因為相異的學歷、生活環境、家庭背景……等，會對各種事物產生不同的反應，我認為這就是每個人獨一無二的地方，人也是這樣才才在與他人的互動中激起美麗的漣漪……，而編舞者想表達的是，在做出反應前我們應該反思是否過度迎合對方的需求或刻意違逆對方的意見，而喪失了自己甫一出生就具有的＂Reflex movements＂？

我想，編舞者期望藉由這件作品，讓大家找回那份初衷。
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動見体-漢字預言-樹谷園區
易書瑜(物治一)

前言
98.05.20.搭乘捷運抵達中山站，出站步行至台北當代藝術館，隨手拍幾張相片。路上，頓時覺得我們真是有文藝氣息。今天，我們要參觀「第七屆台新藝術獎入圍特展」，於是買兩張票進到展區。台新藝術獎就是不一樣，特展的票特別設計成星形，好似入圍者榮耀的象徵。 看完所有入圍者的各項作品，視覺藝術、表演藝術，有震撼、有恐懼、有欣賞。展場經過特別設計，營造出不同氣氛，詭譎、衝突、清新，融入作品氛圍。

入圍作品非常多，也各有千秋。我用自己的觀點，主觀挑選出兩樣和我較有共鳴的作品稍加評論，分別是「動見体團體」的「漢字預言 未來系青年觀點報告」及「台灣田野工場」策展執行的「樹谷園區公共空間藝術設置」。

日本年度漢字，選出一字代表過去一年；漢字預言，選出一字代表現代、未來青年觀點。漢字預言可以是一個字，也可以是不同偏旁、部首自行組合成的圖。透過不同的文字、符號表達出不同的意象，亦或結合不同領域呈現作品，這是這組作品突出之所在。

展出十件作品中，「勿愛 」最引起我的注意。「勿愛 」看似兩字組合而成，實則為一台語字，讀做「ㄇㄞˋ」，不要的意思。在我看來，「勿愛 」除了不要的意思，其中包含著「勿愛」，不要愛的意思。而此一作品設計成一馬桶，是否所有的不要、不愛都可以輕輕鬆鬆一沖即走？我猜想，這是創作者的希望。

除了展示作品，展區中央有一盒印章，其中大多是偏旁、部首，藉由參觀者自行造字，體驗屬於自己的漢字預言。我選擇了「小」印出「小小」代表我自己，再用「彡」「冖」「丿」「夊」和「心」寫成「愛」創造出屬於我的漢字預言參與這項作品，儘管愛是原本就存在的字，但是用各種不同元素重新組合成的愛別有一番味道。更重要的是組成「愛」中的「心」，曾經聽說一位外國朋友來台灣學習中文的趣味故事，有人問他為何不到中國內地學習中文呢？他回答：「少了心的『爱』又怎麼能叫做是『愛』呢？」

在此和大家分享我參與漢字預言的作品「小小愛」。

樹谷園區公共空間藝術設置

藝術、工業是否能夠和諧共存？在樹谷園區，藝術和工業不僅僅和諧共存，更相互輝映。有人說人跟自然間的關係中，自然扮演破壞的角色，同時也是創造的角色。樹谷園區公共空間藝術設置都是能和大自然和諧共處的作品，更難能可貴，是和工業園區結合的藝術空間。台灣田野工場是由一群公共藝術家共同組成，不論老的、小的、在地的、外地的，合稱樹谷園區藝術家，他們戲稱樹谷園區的公藝術作品是從大自然偷來的藝術。他們取用陶土、金屬、玻璃、光電等各種素材；有人憑自己記憶中的味道、觸感創作，有人利用大自然做為創作的媒介。

作品展區更特別設計成一片土壤鋪造，自成一格的小天地。「跨越視覺絢爛的感官，你還是覺得，雙腳踩在土地上最真實。」於是，我脫下鞋子進入展區感受真實的土地。一片藍天白雲美好的天空下，樹谷園區大樓、公共藝術、大自然和諧共存。從這片土地的歷史重頭開始介紹，樹谷園區不只是科技的、藝術的、更是人文的。

樹谷園區的各項公共空間藝術設置，最吸引我的作品有「天蠍座」、「新歐姆定律」和「永恆的太陽」。「天蠍座」採用金屬創作在戶外不怕日曬雨淋，也不怕遊客破壞，反而歡迎遊客參與這件作品，大方的坐上天蠍「座」合影留念。「新歐姆定律」結合陶土和光電，不僅僅白天能欣賞，在夜晚更能顯現「新歐姆定律」的五彩光芒。「永恆的太陽」如向日葵、風車，佇立在一片草原中相當契合，大膽的對比配色，明亮、搶眼，即使在數公尺外都能被它吸引。
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瞎子摸巷
葉再倍(醫一甲)

這是我第一次到當代美術館去參觀展覽，而這次參觀的是台新獎視覺藝術類的作品，雖然作品的件數不多，只有四件，但是每一幅畫、或是每一件作品，都令人印象深刻。

其實每一件作品的作者都在他的創作當中表達或呈現了他所想要表達的內容，不管他的理念或想法我們了不了解或能不能體會、接不接受，大部分都脫離不了自己的價值觀、對社會議題的關懷、省思等等。

其中讓我印象比較深刻的作品是有一件有四個人，穿著很鮮豔的服飾、色彩對比有些強烈的服飾，或者說很〝特殊〞的服飾，造型有點像〝小丑〞，他們都站在一條木棍上，彼此手搭著手，手中都拿著一些道具(長竿子之類的東西)，面對著鏡頭做出各式各樣的表情。這件作品，在前一次老師帶我們去參觀的展覽中就已經看過了這件作品，如今又與之相逢，印象當然會比較深刻。這件作品，作者想要表達的概念應該是現代人都汲汲營營的生活在忙碌之中，尤其都市人最為明顯，雖然說我們每天都在忙東忙西的，但是我們曾幾何時在夜深人靜之時，靜靜的坐下來思考過：我們到底在忙個什麼勁呀?忙的內容到底有沒有意義呀?我們到底知不知道我們這麼忙碌，到底是為了什麼?所以這件作品中的每一個人物，都給人家有〝盲從〞的感覺，四個人因為彼此都不知道答案，所以搭著肩、在大都市晚間的夜景之下，呈現〝茫然然〞的樣子，根本就不知道生活的重心到底在哪裡，他們服裝顏色的強烈對比，我想這件作品的作者應該也是花了好一番功夫才決定出來的吧!我想作者所要表達的應該是圖中四個人在〝繁華的大都市生活中〞，〝內心的矛盾〞吧!想要接受又不想要接受的樣子。這件作品，我覺得不只是視覺上的震撼、也有精神上的震撼。

每一件作品的創作過程都是非常艱鉅，而且也是一個浩大的工程，從拍片、剪接、服裝、取景、動作、表情…等等，每一個環節都非常的重要，而且作者在每一個環節上也都花了相當大的功夫，這也讓我知道了作者的辛苦，他們這麼辛苦的創作，應該是很希望觀賞者能夠從他們的作品中了解他們所要傳達的訊息、獲得一些東西或感動、甚至是贊同或體會他們的想法與理念吧!
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樹谷園區公共空間藝術設置
包哲豪(醫一乙)

在眾多展覽與作品中，我想選擇的是”台新藝術獎入圍特展”中的「樹谷園區公共空間藝術設置」這件作品來發表我的心得。【樹谷園區(Tree Valley Park)：位在台南科技工業區奇美旗下的液晶電視生產園區，開發定位為以生態關懷為本，深化人文生活價值的科技產業生產基地。】

先說一下台北當代藝術館給我的感覺，外表雖為一座古蹟，但一走入就處處發現驚奇，創意結合科技在館內各角落展現無疑，當代藝術將古蹟活化甦醒的功力還真讓人不能小覷。

會選擇此件作品的原因，或許是在當場感到很深刻的印象，此展大部分的作品都是用視覺、聽覺來感受，但這件作品跨越絢爛的視覺，用雙腳的觸覺，真真切切的踏在樹谷園區的泥土上，接收台灣田野工場想表達給我們的意念。

說到公共空間藝術設置，我立刻想到台北市敦化南北路上整條的設置(像是斑馬屁股的紅綠燈、紅色大鳥籠等等)抑或是陽明校園的大風車，不過這些裝置都是先等建築完成才配合；不像在樹谷園區中，藝術家親自參與生活空間形塑的過程，親自體會樹谷的歷史、生態背景和未來展望，這種「大自然」才是真正主角的想法，才能使公共藝術搭配生態永續與生活美學融合，推廣藝術走入群眾生活中。而我們身為自己社區的一份子，多少會對社區有所認同與了解，在樹谷園區中，這些『居民』也可透過一系列和樹一起紮根生長的方式，用藝術加強自己對這塊異鄉的鏈結，更關心、喜歡甚至愛護自己居住的地方，這才是公共藝術設置的可貴意義所在。

踩在展覽場灼熱的南台灣泥土上，你感覺的到100年前祖先的呼吸嗎？而100年後，工業區可能不在了，現今移入”居民”們成了祖先，留給下一代的是什麼？藉由融入公共藝術的設置；藉由一棵棵當年紮根的樹，前人種樹後人乘涼，環保&永續經營的概念也是我認為台灣田野工場想表達的！
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2009世外桃源–龐畢度中心收藏展

劉家豪(醫放三)

沉默的天空，總是伴隨著雲的流動，天氣好到讓人想要度假，想去紐西蘭看看壯闊的山脈，或是去法國看綠油油的田野，但是這只是個白日夢。出去走走，也是個把自己放空的好方法，讓自己的心情稍微從沉重的寂寞舒緩。

圓山，在我的印象中只有那個大飯店，還有每次坐捷運匆匆一撇的許多公園，以及橢圓形的中山足球場，從來沒有在圓山站真正駐足過。這次我來到了圓山，陽光很瀟灑的照在路旁的花卉，彷彿在為今年的花卉博覽會準備，來到台北市立美術館，卻有一種新鮮感，踏入大廳，這時才發現，原來進去看龐畢度中心的收藏展要200塊，跟我原先認知的15塊差好多，頓時萌生退意，後來想說難得來到這，也就花錢買票進入了。

第一眼看到的東西，說來還蠻好玩的，竟然以為有人在廳裡面放牧，好多的綿羊聚在一起吃草，仔細數數有24隻綿羊，看來看去還真像真的，之後出展廳候看導覽手冊才發現它是用羊皮做的，說來慚愧，我沒發現14隻沒頭的羊，匆匆的看過去，似乎很普通，但是其中卻暗藏玄機，也許當初我以為沒頭的羊是低下頭吃草了呢。有一幅畫叫做結構與道德，它是一幅穿著衣服的花束人站在那邊，其中的花有盛開的，有的是枯萎了，就像是說著人的肉體包含著美好的事物，同時也擁有早已枯萎的記憶，仔細想想，這次展覽的主題是「阿卡迪亞」，也就是烏托邦－理想的世界，即使是在理想的世界，花朵會盛開，但是也會凋零，在於是否有意將已枯萎的心挑出，再放入一朵屬於自己的盛開的花朵。再來有一幅金黃色的格調，秋天收成的風景作為背景的畫－偉大的樹景，正前方是一棵樹葉掉光的樹，從樹枝間看過去，是一片稻田，在樹下有一個人從旁走過，正欲走出農莊工作，似乎是接近黃昏，從近到遠，連綿不絕的金黃色延伸到天空，似乎將藍色的天空給染成黃色，樹葉的凋零是為了襯托出一片金黃色的偉大，等到明年春天來到的時候，枝芽悄悄的冒出頭，再次宣示著另一個阿卡迪亞豐盛的年份再度到來。在畫家眼中，阿卡迪亞似乎不是沒死亡，也不是沒有黑夜，在米羅的夜裡的人與鳥中，我似乎看到了在黑夜中的恐懼，夜裡有許多眼睛監視著人，那些眼睛似乎像是人的眼睛，也像是銳利的鳥眼要將整個黑夜看穿。

出美術館的時候，也已經黃昏了，踏著往宿舍的腳步，但心中卻想要往一個外面被金黃色覆蓋的書房，就像是一副畫叫做含羞草畫室外面的風景，無憂無慮的感覺，對我來說，那才是我的阿卡迪斯。
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黃金年代＆鄉村的一天
黃虹雅 (醫一甲)

作品：黃金年代／導演:布紐爾、達利

這部片片長60多分鐘，是這次展中兩部影片之ㄧ，片頭兩隻蠍子打鬥帶出宗教人士和一些住在島上的士兵到一名軍官向女子求愛的片段，跳躍的不可思議，（後來回來看了資料以後，蠍子打鬥影射宗教引起的紛爭）。

背景順序：
小島（宗教人士、軍官求愛）→義大利（軍官回來找女主角）→宴會（相見）→豪宅外小孩被父親射死（貴族的冷漠）→花園（音樂會）→某個房間（軍官生氣）

分析：
以下先舉一些印象深刻的片段和自己的推想：
一、宗教人士化成一堆白骨－作者對宗教的嘲諷，儘管再莊嚴終究化成灰
二、女主角床上躺著一頭牛─我猜是某種性暗示，女主角內心的慾望
三、畫面常常切換到天空中的雲朵－可能比喻主角內心的波動
四、女主角突然變成老太太－慾望使人變形
五、宴會中出現牛車，上有一些衣衫不整的人但貴族們不動聲色－彰顯出誇張的對比，上層對下層階級的貧富差距及對貧苦的冷漠
六、宴會進行時，豪宅外小孩被父親射死，貴族們看了幾眼便回去屋內－對痛苦的漠視，不關自己的事情
七、樂團進行時，某官員接到內戰狀況卻不以為意
八、男主角將燈罩、長頸鹿、甚至是主教丟出窗外－憤怒造成內心價值觀的崩解，連宗教也不要了（受到他的壓抑）
九、片尾出現一個像耶穌的人－非常不協調，這是比較看不懂的部份

我認為這部片的表現手法有很濃厚的超現實主義，把不相干的東西放在一起，由兩者的衝突帶出想表達的意涵，原本以為「拼貼」多應用在畫中，例如達利畫面的詭譎，但沒想到用錄像的方式，感受更為強烈也更明顯，當主角內心憤慨，畫面便換到另一個物體來表達他的意象，非常快速，或是直接在畫面中置入不相干的人事物，衝突感很明顯，會激發觀眾的思考（之前看到覺得寫的太精闢→超現實主義慣用風格：壓縮空間關係，逆轉或加速時間進程）

另一個我新發現繪畫中較不容易表現的手法是，放入好幾個故事的主線，彼此不太相干，如上述一和六，和一般的電影比起來，欣賞這個作品時沒有那麼舒服，有些緊張但不協調感控制的很好，一開始看讓人想不透，反覆想幾次好像有點理解作者想表達的內容，這部作品的產生和當時的背景有關（剛好聽到導覽說的）那時候社會風氣較糜爛，人們被金錢、慾望等東西迷惑了，所以藉這部作品來批判當時的社會，片尾有寫到關於縱慾的文字，我猜是想點明部片想表達的內容，充滿對中產階級和上層社會的諷刺。

作品：鄉村的一天　／導演：尚．雷諾

分析比較：這部作品敘事方式應該還蠻能被大眾接受的，沒有出現像『黃金年代』超現實的手法。故事背景是巴黎有片刻重逢，卻在丈夫睡醒後的叫喊下傷心的離去。的中產階級牛奶商，帶妻子、女兒、祖母及一位店裡的年輕人到鄉下野餐，在鄉間小店，女兒與母親認識另外兩位青年，並在對方的邀約下一同乘船到河上遊玩，更暗萌情愫，無奈暴風雨的到來拆散了短暫的相遇，多年後安莉葉特嫁給安納多勒，在某炎夏的星期日，夫婦倆舊地重遊，安莉葉特趁丈夫小睡時與昂利再度

這兩部錄像作品背景很相似，都在一戰二戰期間，中產階級、資本主義等等興起，片中充滿很多對這種功利主義的諷刺，商人的財大氣粗、很愛炫耀自己的財富和知識，相較之下，鄉下的年輕人和妻女感情自然了許多。

以下分析片中人物的性格和表現手法：
一、牛奶商：功利主義，對利潤的追求（連魚都很在意）
二、杜佛爾太太：感情的真摯，有笑有淚，不害臊向丈夫說一些往事，對店小二打嗝和螞蟻生氣等，甚至最後和其他年輕人乘船，他不曾遮掩他的情感，雖然感覺他的氣質有些太過放縱，不過總體說來是真誠的人。
三、女兒：感覺導演很著重於描寫她的美麗，一開始以仰角特寫和全景拍攝盪鞦韆，有一點我覺得特別有趣的是加入了一些路人的鏡頭，（路過的修士駐足和店內青年的觀看）很像國文課文裡的側寫筆法，每次拍攝女兒時，光線比較柔和，可能是用柔鏡處理（這點和拍攝黃金年代女主角的感覺很相似）

女兒內心的刻畫則藏在他和環境的互動中，對母親無理取鬧的照顧，到鄉下的新鮮感，和鄉村青年到達樹林以後，鏡頭帶到黃鶯歌聲陪襯兩人愛情與慾望的火花，女兒面對擁抱矜持到接受，鏡頭鋪陳擁抱到特寫倆人的親吻，和女兒的流淚，再切回兩人的全景，然後以幾個河畔的狂雨暗示即將到來的昏暗和沒有結果的感情。
四、店裡面的其他年輕人：不掩飾情感和欲望，一開始著墨不少他們對母女二人的欣賞和討論等，之後兩人大膽邀約（不過也可能當時社會蠻開放，多見不怪）及對商人一家的品頭論足，我原先以為他們是不好的角色，感覺心機很重也很奸詐，但故事一路鋪陳到他們和太太女兒一起划船，他們的出現可能是要突顯商人本身的功利，這兩個人還比較自然，　　片尾女兒不得已和店小二婚後舊地重遊，再度安排那個年輕人出場，更增添一種無奈，女兒和功利主義、沒有想法又大男人主義的人在一起，而無法過著像那天快樂的日子。
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「朝向藍色」與「躺著的女人」
陳智婷(醫一乙 )

這次去看北美館裡的龐畢度中心收藏展，以阿卡迪亞，也就是世外桃源為主題，展示一系列的作品，展覽又將八十幾幅作品分成十個小子題，有豐饒和和諧的感受，也有享樂的感官刺激，還有腦裡的奇異幻想，也有對於生命世事無常的反思，多樣化的風格，深刻的內涵，讓我在展場裡徘徊了好久好久。

高中時，美術老師就曾經介紹過與達達主義及超現實主義有關連的多位畫家以及其作品，那時只能看著投影片一張張播放，沒想到在這次展覽，「虛幻」這個子題裡，看到真跡，不知不覺就好興奮，看著畫，想著高中曾經死背活背也要把畫家風格背下來考試的情形，就覺得很有趣。

其中我最喜歡的有兩幅作品，一個是康丁斯基的「朝向藍色」，圖中有多個弧形軌道，向中間上方藍色星球狀的物體匯集，此外，左下角、右下角亦各有一個星球，形成了三角形的結構，讓畫面的感覺很平穩，此外，星球上還有小房子呢！軌道上也有像火箭的物體，整幅畫就像在一個太空世界遨遊。康丁斯基後期的作品大多是由幾何圖形組成，這幅也是一樣，配上繽紛的色彩，就像小孩子的幻想，可愛且充滿趣味。一看到這幅「朝向藍色」，就讓我聯想到法國作家筆下的小王子，在各個星球間旅行探險。因為這幅畫作充滿了兒時的純真感，離開北美館時，我還買了一個印有這幅圖的文件夾做紀念。

另一個喜歡的作品是畢卡索的「躺著的女人」，是畢卡索變型時期的作品，女子身體有放大或伸長，流暢的圓弧，將女性的特色表達出來，看起來很豐腴、可愛，聽導覽時，知道是畢卡索為了女友瑪麗所做，加上旁邊花草的點綴，整幅畫洋溢著青春、快樂的訊息。看著女子笑彎的雙眼就知道，幸福洋溢整幅畫，看畫的人，也會無形中感染這幸福快樂的氣氛，雖然這幅畫作很小，但是張力十足。

其他有趣的作品還有馬諦斯的大幅紅色室內景，大紅色的背景，不但畫中有畫，還採用了對比技巧，有黑白畫和彩色畫、圓桌和方桌、無斑點的地毯和有斑點的地毯，各占畫面左右兩邊，理論上看起來應該是切割的兩半，但實際感覺卻是巧妙的融合在一起，這讓我想到了台灣傳統廟宇的建法─對場做，廟宇左右兩邊由不同師傅完成，因為工夫不同，造成建築有些微的不同，但在我們眼裡看來，卻覺得很和諧，沒有半分衝突。這幅畫就是給人這樣的感覺，和諧不衝突。

這次展覽中的某些作品，雖然看不懂畫家想要傳達的意義，但我覺得沒有關係，畢竟藝術是很直觀的東西，關係到了畫家生平經驗，也關係到了看畫人的生活經驗。只要抱著欣賞的態度，我覺得這趟「世外桃源」之旅就不虛此行。
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蔡函頤(護一)
Pablo Picasso躺著的女人：這張作品是門票上的圖片，這是畢卡索的作品，如同作品的名稱─躺著的女人。這張圖有一個很有趣的地方：當我們把上面的部份遮住時，是一個女人的正面；而當我們把下面遮住時，卻變成了一個翹著屁股的女人(反面)，如果沒有聽到解說員講出這個特色，我想我不會注意到翹屁股的那一部份畫作。畫中橫躺、像在作夢的裸女，就是他當時的女友瑪莉─泰瑞斯‧瓦特。畫面上的裸女呈現了優美的圓形，藉由睡夢中的優雅和媚人，先宏和綠色的對比，傳達了畢卡索戀愛及創作的大膽嘗試。

我想這是立體派的一張不錯的代表，從不同角度去切入看一個東西，再將每個角度所看到的東西結合在一個平面上，這種呈現方式很特別，大家從不同的角度去看同一件作品，得到的啟發也是不同的，剛開始看只看到女人正面，覺得是一幅很peace的畫面，但是當聽完獎解說到那個翹屁股女人的角度時，又覺得畢卡索很厲害，觀察到不同面向的女人，還把特色悄悄地呈現在畫中，又可以不失那種合諧的畫面。

Max ERNST法蘭西花園：畫面中是一個女性的身體和姿態，她的臉看起來像是被埋在蜿蜒流動的綠色色塊裡頭，右腿上纏繞著一條蛇，據說這條蛇就是曾經出現在亞力山大大帝夢中的那一條。恩斯特使用拼貼技法，結合了蛇和女性身體嬌媚慵懶的曲線，來表現羅亞爾河詩情畫意的河岸風光。馬克斯‧恩斯特的《法蘭西花園》可說是他心目中的法國。對恩斯特而言，結合女性身體曲線傳達的羅亞爾河意象就象徵著法國，因此這幅畫命名為法蘭西花園。

我覺得畫家的畫作常常都會把一些看似毫無關聯的東西結合在一起，這張圖給我感覺像是一個女人躺在蜿蜒的河畔，但是就不覺得它像是個花園，或許這是歐洲另一種風格的景物也說不定。從上面那張到這張，甚至是其他作品，可以感覺到女人就好像在當時常被用來的當題材的一個方向。

Joan MIRO「夜裡的人與鳥」：這幅畫是米羅在他位於蜜月島上、面對大海的畫室畫的，米羅用畫筆大把掃過整個空間，在畫布上留下斑點、污跡，但是又以展翅飛翔的鳥兒，形成有力的弧形，銳利身影侵入了黑夜裡。Joan MIRO「藍色二號」：這是米羅利用自己的感覺去畫，利用簡單的紅線與黑點去勾勒這幅畫的情境。

畫家利用簡單的顏色，表達出心裡的感受，而這種感受也是見仁見智，夜裡的人與鳥讓我有一種很陰暗的感覺，這幅畫和他的興趣天文有極大的相關。而藍色二號則是他憑自己感覺所畫出來的，紅色的線條有一種震撼人心的感覺，然後是幾滴沒落的黑點，我們甚至可以想成是打擊樂的節拍，或是天空的雷電與雨水，放空去體會這幅畫後，所得到心靈的感覺，應該才是這個畫家所要表達的意境吧！

Fernand LEGER休閒─向路易大衛致敬：這幅畫表現了機械主義概念，有著宗教的色彩，結構完整、嚴謹，歌頌著民族所帶來的生活，呈現出一種平靜的氣氛。
看到這幅畫，覺得它的線條有點不自然，像手和身體連接的部份感覺都是分開組裝而成的，但是，整幅畫卻呈現出一種很溫和的畫面，畫中充滿了圓弧的形體。
Giuseppe Penone呼吸陰影：這是一個裝置藝術，利用很多的鐵絲籠圍成，每個鐵絲籠都是用黃金比例所製成的，鐵絲龍裡放了很多的桂冠葉，之所以會用桂冠葉是因為與希臘古詩所描述愛慕子女的桂冠詩人Rora故事的結合有關。這作品的內部也要控制它的溼度，以免也子產生其他不符預期的變化。

作品因為是用葉子為題材所設計而成的，也因為葉子顏色隨時間的不同也會漸漸地改變其顏色，這也暗示了時間的流逝。其實剛開始走進去這個空間，沒看到任何作品，覺得有點怪，後來發現原來自己就在那個作品中，我覺得這樣的作品很特別，很有特色，不過如果不知道由來可能很難去體會這作品所要表達的意思。

Vladimir E. DUBOSSARSKY & Alexander A. VINOGRADOV草地上的午餐：
此畫作為俄羅斯藝術家杜柏薩斯基與維諾葛拉多夫的共同作品，確實把森林中的獅子、鸚鵡、長頸鹿、正在做森林浴的男人女人，與梵谷、塞尚等法國印象派藝術家畫在一起，是現今當代俄羅斯的「藝術家雙人組」，這兩位藝術家的油畫技巧高超，他們將莫斯科的社會寫實畫風加入創意，刻意不重視構圖，而是在畫面中塞滿了各式各樣的元素，讓觀眾覺得幽默又有趣。仔細看看，除了梵谷與塞尚，還有很多知名的畫家身在其中唷！

這是整個展覽中的最後一幅畫，有一種回歸原始生活的感覺，在人類與動物草地野餐的畫中，表現出一種與自然合諧相處的氣氛，而畫中最有特色的就是將很多知名畫家齊聚在這一片草地上，而且畫家的神韻還十分的逼真唷！
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世外桃源
翁資惠 (生科二)

首先，先說說看展時的心情好了。

大一到故宮看華麗巴洛克的展覽時，展示地點的燈光偏向昏暗（當然可能是因為作品上的需要），題材背景都比較嚴肅（國王貴族的畫像表情都很嚴肅，記得當時導覽人員解說是因為畫一張畫像所花得時間都還蠻長的，所以要做個笑臉ㄍ一ㄥ在那是很累的），當時的心情上，除了很興奮可以看到世界名畫外，其實還有一點沈重的成份在。這次到北美館看龐畢度收藏展，一進去心情就很不一樣，除了北美館本身就沒有故宮（台灣的門面，外國人一堆，進去就得要維持好形象）來的嚴肅外，明亮的燈光，寬廣的格局，輕鬆平常的題材，讓我的心情上是舒服沒壓力的。

一進去，映入眼簾的是一群綿羊模型被圍在柵欄裡，似乎預告著這場展覽的風格會是平易近人且悠閒輕鬆的。大部分的作品以油畫為主，另外比較不一樣的作品有兩部黑白的電影，還有一個空間佈滿了枯葉想呈現的是肺的陰暗(作品名稱我忘了)，還有兩大幅在亞麻布上色的作品是馬諦斯的大洋洲和天空…等等。這次所展的都是現代或當代畫家作品，這時期的畫家用色大膽，鮮明的色彩，或是使用大量的溫暖色系，不一定遵守常規下的視覺效果，但是也不會讓人感到突兀而不舒服，從一些作品中就可以感受的到，像是馬諦斯有兩幅擺在一起的大紅作品：紅色室內景和木蘭花。其實一開始看到這兩件作品時給我ㄧ種很有中國式的味道，華麗的大紅再加上木蘭花這件作品中的花瓶就像是明清時代的花瓶瓷器，很容易讓人誤會這是中國畫家的作品；另一件作品──紅色室內景，就如名稱一樣也是以紅色為主，但是仔細看可以發現作者的一些巧思，方桌和圓桌的對比、黑白畫和彩色畫的對比，也給這幅畫帶來另一種生動感；還有米羅的藍色二號，巨幅的藍色中幾個黑點和紅色的一撇，對比的顏色使這幅圖看起來活潑許多，這幅圖留給觀看者很大的想像空間，一大片的藍讓我有彷彿置身於可以天馬行空的夢境，一撇鮮豔的紅提警了我要得當心突來的危險，而黑點就像是我的足跡。

另外，展覽的作品還有一項特色──簡單粗獷的線條，導覽說這是野獸派的特色。這種粗獷卻給我有種親切感，感覺就像我們小時後畫圖一樣，不會有精細筆觸的畫給人有距離感，這種簡單線條沒有太大的真實感(要真實那乾脆就拍照)反而帶給我的是更多的生動，像是雷捷所畫的鄉村一日遊，簡單的人物不用太多的刻畫；或是畢卡比亞的裸男裸女，粗黑的線條描繪出兩位主角的線條，簡單卻有力，裸女的白對比了裸男的黝黑，也對比了整幅畫的昏暗，而在旁用手掩面的天使也映和了這個黑暗；還有一幅用簡單粗獷線條畫出的河畔圖，搭配大膽的用色，也給我的印象很深刻；還有一幅杜布菲的作品真的就好像是小學生畫的。
我一直都很喜歡油畫呈現出來的樣子，一層一層顏色的堆疊，厚實的顏料給人踏實飽滿的感覺。這次的展覽作品中還有幾樣是我很喜愛的，布朗的結構與道德，穿著筆挺西裝的身體頭上卻是一束菊花，給我有一種說不出的弔詭；當然，還有大部分的人慕名而來畢卡索大師的作品，喜歡他那種不直接刻畫留給人想像空間的畫；還有，展覽中的最後一幅──草地上的午餐，喜歡這種動物和人類相容的畫面，即使是凶猛的獅子大吼露出銳利的尖牙，但是畫中的人物卻沒有恐慌的表情，整幅畫以暖色性為基調，幾處明亮的地方就像是陽光灑落，動物和午餐的人們相間的很融洽，更酷的是，仔細的看那些午餐的人可都是名人耶，可是我認得出的只有梵谷，這幅畫讓我的印象到現在都很深刻，就像當初看到一樣心中有股跳躍的歡樂。
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草地上的午餐
解智雄(醫放一)

俄國畫家杜柏薩斯基及維諾葛拉多夫，畫出一件大幅的創作：「草地上的午餐」，畫中有很多令人耳熟的藝術家如：梵谷、高更、莫內、馬奈、竇加、雷諾瓦和塞尚等大師，在這個作品裡面悠悠哉哉的光著全身與聽說是當代出名的模特兒女郎一起坐在各種躺以及布巾上作出有如在海邊作日光浴的動作，但是令人有趣的是他們卻不是出現在海邊而是身在佈滿各種動植物的熱帶叢林裡！這次的展覽是圍繞著畫家們心中的世外桃源而展出，許許多多其中的畫都帶有著一種和諧的氣氛，或許是世外桃源吧，這兩名俄國的畫家，模仿了莫內的名畫，繪出他們心中的世外桃源，或許是個各種動植物以及人類都能安何的一起享有這個愉快的空間時間，沒有獵殺、競爭，草食性及肉食性動物的相安無事，人們悠閒的享受與大自然相處的時光，而且還有另一點很有趣的是裡面所有的人都臉朝著觀眾好像在端詳著什麼似的。
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藍色二號
戴維安(醫一乙)

那個禮拜和高中同學去北美館看龐畢度中心來台展覽，雖然有許多作品都非常特別，也不乏有一些影片和裝置藝術，但是最吸引我的還是那幅擺在接近展覽最後，米羅的巨型畫作「藍色二號」。以前在美術課本常看到這幅畫，但我從來不知道這幅畫有這麼巨大，跟課本的感覺完全不一樣。站在它前面彷彿要被海浪吞噬一般或是站在聖母峰上仰頭望者天空，排山倒海的藍朝你撲來，這是看課本沒有辦法體會的。但是，若仔細一看是可以發現那當中的藍並不是完全一樣的，是可以從其中找到畫筆的觸感。另外，左邊的那一到紅色看起來就像是個疤痕，看起來像是天空受傷了被開了一個洞。而幾個黑色的點點則給我個人一種「無言」的感覺，就像在電腦上打「…」一樣的感覺。不過很神奇的是，當我把視野拉遠，將這三個元素融合在一起看時，它突然給我一種很可愛的感覺，雖然背景是藍色的，但我沒有冷冰冰的感覺，我覺得像是在看小孩子畫的畫一般，充滿著純真，非常的簡單。米羅似乎能夠把這種一般人望之卻步的抽象畫變的能跟人很親近，也許就是這種小孩子似的純真吧，就像他會在畫中加入星星(看起來像個巨大的米字型)一般。這種加入了小孩子的單純畫出的抽象畫，好像真的能給人帶來一種「超現實的幸福」呢。
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夜裡的人與鳥
劉雅安(醫一甲)

在觀賞龐畢度特展中，讓我印象最深刻的莫過於米羅的抽象畫，簡單的線條以及廣大一致的色塊，看似簡單，但在看了作品名稱之後，卻能表達出作品的意念，我最喜歡的是「夜裡的人與鳥」，用黑色描繪出人與鳥的背影（陰影），因為是黑色的，所以分不清究竟是人是鳥或是動物，端看自己的想像決定，而且雖是以黑色表達在夜裡，但因為有紅色、綠色等暖色系的背景參雜著，看起來不會感到沉重，反而覺得畫裡是優閒輕鬆的，不過這或許也是個隱喻，當看不清楚是人或是其他生物的時候，可以避開可能要面對的人心難料，背影像是抹去了心機和偽善，營造出來的氣氛也跟著歡愉融洽，色塊的大膽鮮明，我猜也是對於真誠快樂的寫照。

還有一項作品是雷諾瓦的影片「鄉間一日遊」，場景設定在巴黎的鄉間，描述一群大都會裡的家庭前來遊玩，家中的女兒喜歡鄉間的純樸與新鮮，鄉村的男子划著船跟她分享他最喜歡待的地點，是個可以聽到夜鶯歌唱的幽靜草叢，不知不覺彼此產生了情愫，但女孩卻已有婚約，而無法如願與其交往，在結婚後，她仍會懷念起當時，前往當初兩人曾一起走過的地點，在此處，兩人巧遇了，但是女孩已有了丈夫，男子也只能抽著悶菸坐看女孩離去。

看完了影片之後，淡淡的哀愁浮上心頭，或許是雷諾瓦自己的故事吧！城鄉的差距不只在於經濟發展，身分背景的差異也影響了感情的範疇，親情、友情、愛情雖然是珍貴又難以抹滅，但是在現實生活中，多了身分地位、家庭背景、金錢等現實考量，並不是一句「有愛最大」就可以忽視的，「鄉間一日遊」之所以令人難忘，應該是在於它的難得吧！
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呼吸陰影
高筠婷(醫放一)

這次去看的展覽是在台北市立美術館的世外桃源－龐畢度中心收藏展，一進到展覽會場就看到一群羊兒，我發現有些羊沒有頭，只有身體，不過很有放牧的感覺，我還滿喜歡的。這次的主題是世外桃源，再分為各個子題，黃金年代、信使、阿卡迪亞、重現阿卡迪亞、豐盈、虛幻、享樂,和諧、夜、草地上的午餐等十個主題，每個藝術家的把心中的世外桃源呈現出來，在裡面的作品好多好多，有馬西亞雷斯(酒神巴卡斯)(雲之友)，葛蘭‧布朗(結構與道德)，法蘭西斯‧畢卡比亞(風景中的裸女與男子)(賽帶樂河畔)喬治布拉克(樂器)(拉西約塔的小港灣)(埃斯塔克)(頭頂果籃的少女)，吉賽帕‧帕諾內(呼吸陰影)，安德瑞亞吉爾斯基(99分)黑白電影，尚‧杜布菲(烏有之地→生前最後一件作品，直線+零)20世紀後半期最有名等等，裡面的作品不只有油畫，還有電影、影片、裝置藝術。

我最喜歡的是吉賽帕‧帕諾內－呼吸陰影，一進到這麼裝置藝術作品內，就聞到一股淡淡的枯葉香，每一快枯葉磚，都是由月桂葉所組成的，而且每一磚的大小都是黃金比例，共有200磚，裡面擺了一個由青銅鍍金所雕塑出來的肺，肺也是有月桂的葉子所拼出來的，而支氣管則是由月桂的枝幹所呈現，具有象徵詩歌和生命的無常變化，聽導覽員說「這是作者想要象徵一種柏拉圖式的愛情。」我在這件作品裡面待了許久，很喜歡那一股淡淡的月桂枯葉的味道，也很喜歡這件作品不只有視覺上的觀感，還有用到嗅覺，在那裡面真的有世外桃源的感覺。
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馬諦斯--大洋洲，天空
廖子寧(護理一)

前陣子在新聞上看到龐畢度的介紹， 亨利．馬諦斯的「大洋洲，天空」的優美與自在映入我的眼簾，是一種震撼，一種欽佩。

這次的展覽名為「世外桃源」，所挑選的作品也都和其主題相呼應，一路逛下來可以看到許多畫家筆下描述出心中的富樂和諧，或是相反地，對於這個世界的反諷醒思。「世外桃源」，顧名思義，是中國文化描述心中所嚮往的某個樂園，反璞歸真且豐衣足食的喜樂之地。在展出的幾件作品中，最與我心目中的──Arcadie──符合的作品，就是馬諦斯的「大洋洲，天空」。

米色的亞麻布作基底，剪出白色的貝殼，海鳥，水草……等等。或許就是因為和諧的兩個色調，既不搶眼也不突兀，簡單而且樸實。只是靜靜的，讓海洋中的生物適得其所，呈現出一片優遊自在，彷彿裡面的物件帶著空靈的思緒漂浮在其中。這是馬諦斯回憶大洋洲而產生的心象，我不能夠清楚知道當他面對這片海洋時，心中所想的是什麼，但這幅畫帶給我的──是一種嫻靜。

當夾在這兩幅作品之間，我進入馬諦斯所描繪的那片海，我感受不到世人所描述的，所謂海的險惡與神秘。沒有熱帶海域的繽紛抑或在海灘嬉戲，穿著清涼的人們。有的只是一種閒適。彷彿可以忘卻身在都市的塵囂般，我聽見貝殼的旋律在耳邊回蕩，海草隨波搖擺著身體，魚兒悠然前進。如同畫布上的物件，我隨著她們一起隨波逐流，不用思考自己從哪裡來，要往哪裡去。只需要感受水流在肌膚上劃過的溫度與觸感，讓海水沖散心中陳年的淤泥，那些雜亂無章且纏繞數百次的思緒。讓海，帶領我的思考，我的方向……。

這是很神奇的，當畫面的基調，沒有湛藍的水色，卻能給予一種似乎只有海，或是水，才能帶來的自由與不羈。有多久，沒有放手讓自己的思緒自由的流竄，在腦海中的每個角落，放肆去追尋過去那些記憶？我靜立兩幅畫布的中央，卻像是千千萬萬縷的髮絲順著指縫間溜走的感覺，每一段回憶，每一個想法如同海水般一股一股推動衝擊著我。那些曾經如毛線球般緊繞的結，在這般的激盪中從有化無，這樣偶爾的放肆與散亂，反而讓人越發清醒，有如醍醐灌頂般，心靈淨化了一次，思緒清明了許多。

和東方所說「禪」的意念不同，這件作品帶來的並非凝滯的靜，不是禪的意念所強調的那種靜與空的概念。當我面對這幅作品時，腦海中並不是毫無所想，沒有到達所謂凡是皆空，超然物外的境界，我依然感受到大自然的強烈的生命力，但畫布中的每個個體卻是以自己的方式前進，走著自己悠閒的步調，徜徉在內心的世外桃源。如果將「禪」所帶來的靜相比，馬諦斯這幅畫帶給我的靜，沒有菊花的孤芳自賞，卻是出淤泥而不染的「蓮」的意念。是一種悠閒自在，從容的態度，而這也是我所欣賞的樂活態度。

在看到作品之前，不管是在網站上，或是新聞畫面上，其實無法有多大的體會。那些畫面帶來的感觸好比煙火的綻開，美麗在那一瞬間，感動卻無法隨著記憶久留。只有在駐足在作品前的那一刻，所有的感動，才會一次在心裡綻放。那種深刻而且可以在內心引起的激盪，絕對不會是短暫的美麗所激起的小漣漪可以比擬的。

當一個展覽中的一幅畫可以將生活中的一些片段串聯起來，我想，那就夠了。
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呼吸陰影/夜裡的人與鳥
謝尚樺(生科二)

趁著端午連假、熱舞成發剛結束，比較有空的時候，拉著男朋友和弟弟到北美館看一直很想看的展覽：世外桃源─龐畢度中心收藏展。日逢端午連假，美術館滿滿的都是人潮，又剛好碰上每天的解說時間，租借語音導覽的窗口早已排滿了人潮。不過今天我們三個比較想自己隨意走動到處看展，所以沒有借導覽耳機，買了票就直接殺進展場，好處是對什麼有興趣、或人少的地方可以直接走過去，壞處是有時候我們完全不懂藝術家想表達什麼…。

映入眼簾的是一幅做成門簾的畫，我原本以為這是主辦單位用了不知道展場中的哪幅畫做成的門簾，直到看完展覽、走出展場才發現原來這是個作品，而且如果跟後頭的綿羊群一起欣賞，會有種虛幻的、又立體的感覺。其實我覺得許多藝術作品就是這樣，其實藝術隨處可見，擺在那兒的東西其實就可以稱為一種藝術作品，它不一定要是掛在牆上的畫，也不一定要是擺在高臺上的人像，它可以是門廉、是一隻隻的綿羊，是倒臥在一旁、飄洋過海、帶著帽子和沙灘布的美女，也可以是古早時代的影片。

剛踏入展場，就被第一眼看到的綿羊群吸引住。一開始腦袋浮現「這個人在做什麼…」這樣的念頭，但因為好奇心而仔細觀察，發現每隻綿羊其實都長得差不多：立著看著你的綿羊都長得一樣，而彎下腰來似乎在吃著草的綿羊都沒有頭，可是一隻隻長得差不多的綿羊擺起來，從近處看、從遠處看，就成了綿羊「群」─雖然牠們分別是獨立的個體，但全部擺起來就顯得十分和諧，而且讓人覺得溫暖可愛，是令人舒服的作品。

我講幾個我印象特別深刻的作品─第二件會讓我想一直仔細研究的作品是「呼吸陰影」。在小小的空間裡，充滿用鐵絲包成的樹葉，而中間的牆壁上有個用堅硬的樹葉做成的、全是金色的兩片肺葉。我覺得站在裡邊，呼吸有些沉重，好像被什麼東西壓住了、透不過氣，很悶、很沒有生氣。我覺得一片片的葉子就好像肺葉，我原本想，說作者會不會是想呼籲環保、希望大家不要抽菸…但我覺得將這件作品單純欣賞，在這個空間裡邊，看著唯一的亮光─黃金的肺、看著一片片被囚住的樹葉，然後吸氣、再吐氣，我覺得就可以「感受」這件作品了。

有一幅畫作，名為「夜裡的人與鳥」，我們三個人對這幅畫仔細研究了很久，不斷在找人在哪裡、鳥又在哪裡。發現中央偏右有一個人，至於鳥遍布在許多地方，有些很明顯的就可看到眼睛，但有些覺得似乎是鳥，又覺得是人。加上後面用色塊灑出的背景，整個畫面很有生氣、很可愛，鳥兒們似乎在畫布上夜夜叫著；雖然在夜裡，但是是活潑的夜，好像在黑暗中，這些人、這些鳥才有這般有活力，才看得出許多互動。

對於「藍色二號」這一件作品，藝術家用很簡單的幾個筆觸，用一條紅色、加上幾點黑色，還有和煦的藍色，就成了一幅作品，讓人覺得很簡單、卻很溫暖，有被藍環抱的感覺。我覺得很多作品都如此，我會覺得好像很簡單、搞不好我也可以這樣畫幾筆就成了一幅作品，可是真正的藝術家做出來的作品，還有他的構想，都不是我可以猜透、預先想到，或可以構想作品將要呈現的樣子。

擺在出口的是「草地上的午餐」。甫看這幅畫，覺得很正常；看第二眼，覺得裸體的人們跟動物們好像在看我們，又覺得哪裡奇怪；看第三眼，咦?那不是梵谷嗎…才發現這些應該都是藝術家，藝術家們的臉就這樣被擺在一個個裸體的身軀之上，隨著動物，雖然我們在欣賞這幅畫，但這些人和動物卻好像在欣賞我們一樣，一雙雙眼睛盯著我們不放。我覺得畫這張畫的這些畫家好像在和觀眾們開一個大玩笑!平常都是我們在欣賞畫作、在欣賞畫家，可是現在是這些人在欣賞我們!

其實我覺得西方的文化下造就的作品，對我們來說還是有點難瞭解。在欣賞完龐畢度中心的展覽後，我們三個人又晃到美術館的二、三樓欣賞展覽。在「25年典藏精粹」展覽中，許多充滿中國風台灣味的作品讓我們很容易瞭解，而其中印象最深的作品，莫過於18禁的「搜神」─我覺得作者實在太…風趣?太勇於開玩笑了!就像一般年輕人那樣色色的、很真誠的把內心想法顯露出來，我很有興趣的把所有文字跟所有作品都看完，每每發笑、覺得這實在太有趣了!是什麼樣的人才會這樣認真的做完這樣完整的作品?哈哈!
美術館的三樓展的是「方力鈞創作25年展─生命之渺」。幾乎每件作品都有方力鈞的光頭…他明明就可以把小寶寶畫得很可愛、把女人畫得很美麗，可是每件作品都有光頭，都有奇怪的人在，不管是光頭的背影、一長串由精子到長大到老死的人偶，或者是被囚住的一堆沒有穿衣服的人…。我覺得很多長得正常的人(譬如畢卡索)老喜歡創作些很「特別」的作品，十分充滿個人風味，讓人一看就知道那是他的作品。
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烏有之地
陳緯綸(醫二乙)

這次到北美館欣賞世外桃源的展覽，是以19至20世紀龐畢度中心的收藏展，一進到展場，就被投影在簾幕上的畫給深深吸引住，而後又有一群羊群坐落在展場的入口中，引起我參觀的好奇心，一幅幅畫作呈現在眼前，其中不乏有很多我認識的畫家的作品，著名的有畢卡索和許多有名畫家，作品不計其數也讓我大開了眼界。

其中有好幾樣作品讓我印象深刻，像是畢卡索的作品，雖然許多是草稿的畫作，但因為老師上課有稍微提到畢卡索的畫是立體派，所以在他的畫作上常常可以發現從不同角度所繪畫而成，形成不連續的線條或是區塊，像是《春天練習作》和《酒神節》，用線條繪畫出作品，有許多話是以鮮豔的顏色作為原料，描繪出大自然的圖樣，甚至是用對比非常強烈的配色使整個畫面看起來非常生動。

有一樣類似裝置藝術的作品，《呼吸陰影》，這樣作品是在一個方形的空間中，勇許多鐵絲籠子放進很多月桂葉鋪成牆面，中間有一個金屬做成肺部器官的形狀，利用月桂葉飄出來的香味製造出綠的氛圍，中間還有一個以肺的做成的雕塑，表現出呼吸和美的意象。

有一樣作品，是我在展覽中最喜歡的一個作品，第一眼看見時，雖然我不知道作品的意涵和作者想要傳達的意義，但讓我的心裡產生出一種奇妙的感覺，不知道是喜歡還是產生共鳴，這幅畫是尚‧杜布菲的作品《烏有之地》，是用線條和形狀表達他要說明的意念，靈感來源是從詩中產生，跳脫出物質的限制，思想是流動的不會遭受到碰撞，從他的畫中就可以看出來線條的流動性，他的表達方式有點類似以符號的手法表現抽象的概念，可能有某些形狀在我心裡有共鳴或是在腦海中留下印象，因此在心裡產生感覺。

這次的展覽，讓我重新定義藝術作品的形式和對美的闡述，雖然這些作品產生的時代和我生長的時代有距離，但對美的感受卻是不謀而合的。
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呼吸陰影&藍色二號
護一19705035林筱芬

抵達圓山站，頂著毛毛雨，這次是我第二次踏入北美館，欣賞的是「世外桃源－龐畢度中心收藏展」，雖然票有點貴，讓我很心疼我的荷包，不過看完後的確有陶冶性靈的效果，讓自己多了幾分氣質。

上一次來北美館看的是「中日錄像展」，這兩次展覽給我的感覺很不一樣，「世外桃源」除了兩部黑白影片之外，都是靜態的物品，每件作品都要讓我瞧上好一陣子，才稍稍能懂那麼一點點，而且有很多件作品我其實還是無法了解作者心中所要表達的意境，我覺得這比起錄像展還是稍為乏味了一點。或許跟我天生好動的個性有關吧，我比較喜歡會動的東西，而透過動態的東西，也比較能傳達思想到我心中。

一走進「世外桃源」，眼前迎接你的是一片草地上的一群綿羊，這件作品的名字是「綿羊群」，乍看之下，有的綿羊抬頭起來看人，有的則是低頭吃草，但仔細瞧之後，會發現你誤以為在吃草的那些綿羊，其實是沒有頭的，我覺得這很特別。後來回來後我上網查了一下，原來作者拉拉尼很講究實用性與藝術結合，他的羊群是藝術作品也是家具坐椅，放置在居家環境中，給人一種「超現實感」，猶如羊群們換個型態加入了現代生活，不再是牧場上才看得見。看了這番介紹，我也好想擺一隻在家中。

另外一件我很喜歡的作品是「呼吸陰影」，黃金比例的籠子裝著大量的月桂葉，一走進那個空間，就有著淡淡的香氣，很舒服，心曠神怡，走到最裡面，還有金色的肺，也是由月桂葉組成的，的確，走到這個空間時，很容易就會靜下心來，享受這股特別的氣味，最直接就是跟肺有關聯了，所以我想，作者在那邊擺著肺，就是代表著走進來的每個人吧。後來有偷偷聽到館員的講解，他說這些葉子現在看是這樣，過幾年再看就會更枯黃，你每次看到它都是不一樣的樣貌，象徵著時間逝去，希望我們要好好珍惜光陰。

「藍色二號」也讓我印象深刻，館員說這幅畫是要我們自己想像，我看到這幅畫聯想到的是河口的紅樹林生態，藍色的是淺淺的水面，紅紅的東西是突出水面的木棍，黑黑圓圓的則是一顆顆的石頭，感覺在平靜的畫下隱藏著不平靜，好像隨時會有招潮蟹爬進來。

以前我很少參觀美術館，可能是沒這方面的天賦，也讓對這方面比較沒興趣。本來以為我會覺得很無聊，卻也不知不覺在北美館裡面停留了兩小時，因為我接下來還要上課，所以後面的作品沒有好好欣賞到就匆匆離開了，覺得有點可惜。其實到富含藝術氣息的地方逛逛真的很不錯，不僅放鬆心靈，也為自己增添氣質，以後只要時間與金錢許可，我會多多去嘗試、去接觸各種藝術活動，培養自己的好氣質。
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綿羊群&結構與道德
蔡豐百(醫一甲)

這次的展覽「世外桃源」位於圓山站附近的台北市立美術館，相較於其他老師推薦的展覽或其他自行前往參觀的展覽（如當代藝術館之前的：各搞各的），這次的展雖然也有包含一些錄像或甚至雕塑的作品，但畫作的比例是高的。

我就其中較有共鳴的兩件作品發表感想。第一件，同時也是我覺得最特殊的一件作品，是佛朗索瓦-札維耶‧拉拉尼（François-Xavier LALANNE）的綿羊群（Troupeau de moutons），作品栩栩如生，像真的一樣，重點是裡面大約有十幾隻羊是沒有頭的，我看到這個作品我會聯想到這個社會的大眾（我發現很多藝術品都很喜歡討論「群眾」這個主題），羊群給我的感覺是：從眾，牧羊犬和羊群的主人很輕易的就可以把一群羊從一邊帶到另一邊，而羊群本身什麼都不必做，只要安逸的走來走去，不需要思考，我會覺得他把羊群的頭給省略掉是想強調這一點──羊不需要有頭，有腳就行了。另一件作品是葛蘭‧布朗（Glenn BROWN）的結構與道德（Architecture and Morality），這幅作品是油畫，他畫了一個肖像，但原本應該出現臉部、頭部的地方卻被一把菊花給代替了。雖然我還不是很能了解為什麼這幅畫要取作這個名字，但我想就像介紹中所說的，菊花（這種裝飾墳墓的花）的特質，為這個作品增添了一些黑暗的氣息。我自己對這幅畫的感覺是這樣的，人的頭部裡面裝著腦袋，裡面應該是充滿了感情、理想，但在這幅畫裡面卻被一束沉甸甸的菊花給取而代之，這種衝突感表現出了一個永遠存在於這個世界上的事實：矛盾。世界上什麼不矛盾？而其中最令人捉摸不透的，正是人心。
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一場美好的饗宴
醫一甲褚怡婷

這次北美館所展出的龐畢度中心收藏展「世外桃源」，展出39位當代藝術大師共83件作品，整個展覽由古羅馬詩人詩歌中描述的田園生活(Arcadie)為主軸，進而帶出不同的主題，而這次的展覽分成十個小子題，以法國古典主義畫家普桑筆下的「阿卡迪亞的牧羊人」貫穿整個展覽，歌詠生命的美妙、豐盈、諧和和對死亡對虛幻對黑夜的探索，並帶領觀者展開西方藝術史的漫遊，這些不同子題下的作品都帶給我不一樣的衝擊。

一開始獲得世外桃源的展覽資訊時，一直想找時間去參觀，加上又得到其他同學的大力推薦，即便因為記錯時間而撲空，還是讓我又不嫌麻煩的再去了一趟。一進到北美館，即使這天是平日的下午，參觀的人士似乎仍不少，其中也不乏國外人士，可想見這場展覽的魅力。

進入展場後，首先映入眼簾的是投影在簾幕上的「阿卡迪亞的牧羊人」，正式為這場展覽揭開了序幕，穿過這層簾幕似乎就進入了藝術家們所架構的阿卡迪亞，一個世外桃源、黃金時代、如烏托邦般的神話之地。穿過簾幕後馬上就看到綿羊群，一個非常好的擺設位置，既是藝術品亦是佈景，令人瞬間融入了畫作中的場景。沿著動線走，可以依序的觀看十個子題和搭配展出的畫作，或停留或細細端詳或隨意撇過。

偉大的樹影
在「偉大的樹影」這幅畫作前，有一位看似畫家的人拿著素描本在這幅畫前面複製這幅畫，讓我不禁多對這幅畫端詳了一番。整幅畫以完全沒有樹葉的的枯樹枝條為前景，張牙舞爪的樹枝即使失去了葉子的點綴，仍不失它的生命力，從下生長到畫的頂端，籠罩著整幅的景色，看著這幅畫我疑惑著，為何名為「偉大的樹影」？仔細一瞧，枯樹背後的景色，不論是房屋、道路和人都被陰影遮蔽住了，看似枯老細瘦的樹木，竟然能造成如此大的樹影，似乎在述說著大自然的神奇與生命力，而這幅畫運用了對比的方式，隨意彎曲的樹枝和有稜有角的背景，雖然如此，巴爾蒂斯仍巧妙的運用線條的連結讓觀者不會有突兀的感覺，而色彩的基調令人感受柔和及平靜，似乎就身處在阿卡迪亞般恬靜的生活裡。

呼吸陰影
由淡淡的月桂香引導，進入這個完全被樹葉和香味包圍的空間，一個個黃金分割的籠子，塞滿了月桂樹葉，堆疊構成一個讓人驚呼的世界。走進去，抬頭仰望一圈，有種被大自然緊緊包覆的感覺，最直接的衝擊是，位在路盡頭上那閃亮的肺，鑲在這滿滿的月桂樹葉堆中，是不是在說著，樹葉、呼吸、肺、大自然之間微妙的關係？樹葉是否就是替大自然呼吸的肺？這個作品名為「呼吸陰影」，在一塊塊月桂樹堆裡，看見的，並不是整齊排列的葉片，而是恣意擺置的葉片，不同的位置與角度製造出不同的色調、製造出陰影，兩百種不同的陰影架構起來，在整個空間裡好像產生了陣陣的微風，配合著呼吸的頻率，變換著不同的景色，雖然沉默著卻是充滿著生息。這兩百個月桂樹葉堆疊起來的世界，在視覺和嗅覺的交織之下，有種進入阿卡迪亞(世外桃源)的錯覺，在呼與吸之間、在入與出之間，竟是最難以言喻的時刻。

夜裡的人與鳥
轉入最後的大展場，遠遠地，便深深的被這幅畫吸引，或許是它的巨大，或許是那張牙舞爪的黑，緊緊的捉牢我的目光。從遠到近，逐漸感受到它的魔力，大範圍的黑，宣告著夜的降臨，一個個黑點好比是一顆顆銳利的眼睛，可能是人、可能是鳥、也有可能是未知的生物，每一個都緊緊的掐住觀者的脖子，震懾到令人窒息。細觀之，可以發現人跟鳥動作上的微妙，最右邊的人似乎彎著腰尋找著什麼似的，也看不見他的五官，沒有眼也沒有嘴，雖然靜止在一隅，卻像是隱藏在黑夜中那不知名、蠢蠢欲動的部分，摸不透、猜不透也無法預知，因為黑因為夜因為無聲無息…再觀察他旁邊的那個人，臉部的表情明顯的表達了出來，是一種緊張一種不知所措，身體的也不自然的彎曲，似乎在躲避什麼、害怕什麼，但左手卻有著一個大螯，像是一種戒備、一種保護，因為他也不知道在這夜中會有什麼…左半邊更是以大片的黑宣示著夜的主權，而從中飛出的鳥影似一把利刃劃入黑夜中打亂了整個夜，或是蟄伏其中的眼睛，給人一種詭譎神秘的氛圍，像是誤入某地而被不知不覺得觀察著一般，一種毛骨悚然的感覺油然而生。在黑色的背後，由不同顏色所作出的潑墨效果，紅的、橙的、藍的、灰的，有種慌亂、不安、恣意，甚至血腥的感覺。對照於這次的主題「阿卡迪亞」起初讓我有些困惑，但有生必有死、有歡樂必有悲傷、有白晝必有黑夜，就像阿卡迪亞是詩人夢想中的仙境，卻不可否認美麗的事物背後總會有陰影，而「夜裡的人與鳥」除了讓我感受到黑夜的震懾外，在這無法掌握的夜裡，冷笑、不安、躲避各種情緒在畫和我之間互相撞擊，注視著竟會有發寒的錯覺。這個作品，是米羅所作的最大的一幅畫，而且更值得一提的是，這個作品是第一次在世界上展出(龐畢度中心沒有一面牆能容納如此大的畫)，我有幸於此畫面前，感受如此強烈的衝擊，或許我所認知的與當初米羅創作的原義有所不同，但曾佇足在這畫作面前的千千萬萬人各自產生不同的體悟，也就是藝術之所以為藝術的原因吧！

藍色二號
又再一次被畫中的顏色所奪去心神，如此深邃廣大的藍，米羅說藍色是他夢境中的顏色，而藍色對我來說，是生命的顏色。一大片藍色細看之下並非規則的刷畫，彎曲、迴旋、螺旋、近看能發現藍色的線條，構成不規則的脈動，像天空、像海洋、像白晝、像黑夜、像宇宙、也像不停流動的時間，站在如此廣大的藍的面前，頓時深覺得自己的渺小。而那一撇紅，是撕裂、是破壞、還是驚嘆？僅僅透過線和點的呈現，留給觀者無限的想像。對我來說，那一撇好像是一個指揮棒，跟隨在他後方的黑點就如順著他指揮的音符，而操縱這一切是上帝的手，他揮舞著這一切來譜出生命和宇宙的美麗樂章。

完整的看完這個展覽大約花了四個多小時，雖然沒有用語音導覽因而錯失了對畫作和作者更深入的認識，但還是比較喜歡放縱自己的思緒天馬行空的漫遊，或許見解不同、或許該注意到的點相異，但所謂藝術品，當它完成的那一刻，就不再只屬於作者了，而是讓觀者們一同分享激盪的成品、一場美好的饗宴，只有身臨其境的人才能夠細細品味。
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「結構與道德」&「打穀」
生科二翁才軒

我以前很少看藝術相關的展覽，只有偶爾有一些機會（如校外教學）才會去看展。但這學期老師帶我們去看了一些展覽──雖然我才去了一次──讓我稍為了解到看展時的一些方法。如果看一幅畫，以往我就只是看過而已，並不會仔細思考畫者想表達的意思，也沒有去細究畫中物品擺放的位置是否有什麼意義，只單純想著「這幅畫看起來還不錯」或是「實在是看不懂他在畫什麼」，但這次我去看台北美術館的「世外桃源」展覽，我每看一幅畫，就會在心中和自己對話，思索畫者畫這幅畫的想法。

有一幅畫令我印象深刻，叫做「結構與道德」，畫中是一個人的上半身，頭顱的部分被看來像是菊花的盆栽所取代。然而它的葉子顏色深黑而蜷曲，花朵的花瓣並非瓣瓣分明，而是互相交融，就像思想在腦中流動，互相混雜，融合在一起產生的圖樣，而越往上方生長的葉子和花朵顏色似乎越為明亮。這是不是在說人的深層思想是處於較為黑暗的地方，很難摸透，可能充滿了汙穢的想法，而越靠近表層，可為人所見的地方則是較為正面光明的思緒。

另外有一幅「打穀」，就如題目所說，是在描繪一群農人們正忙著農事的樣子。我覺得這幅畫特別的地方在於，他似乎重新畫過好幾遍，有些區塊重疊了幾層，但不是完全遮蓋，底下那層仍可看到一些輪廓。例如位在畫中央的黃色打穀機，往上方延伸呈現淡出的效果，被藍色的天空覆蓋，留下褐色的輪廓，而打穀機的兩側卻未被覆蓋；腳踏車也重疊了好幾次，可在輪子旁看到好幾圈被黃色顏料覆蓋的輪子。感覺好像畫者先畫了一層，然後換個位置後繼續畫第二層，再換位置話的三層，重疊在一起後就形成我所看到的畫面。

展覽的主題是「世外桃源」，是呈現畫家們心中所嚮往的樂土，這其中有的是充滿歡樂，有的陽光閃耀，有的步調緩慢，有的是田園之樂──不管如何，從畫中都可感受到那讓人想放鬆住下的氣氛。這次看展，我想我有不同於以往的收穫。
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<結構與道德>
醫二乙林珮淳

剛進展場，除了那片綿羊，<結構與道德>這幅畫非常的引人注目，應該是菊花是由冷色系搭配的關係，第一眼看起來整幅畫有些哀傷，近看可觀察到原本看似人物的肖像畫，該屬於人的頭的那個部分，卻硬生生的被一大束菊花所取代，而其中究竟是菊花生長在襯衫的容器當中還是人慢慢的生長成了象徵死亡與毀滅的菊花？

兩種不同手法的融合在一幅畫當中，襯衫的肖像畫和菊花的靜物畫，有兩相對比的感覺，就像對照於畫的標題，究竟是結構完整的菊花是正的還是被菊花所取代的人道德是正的，細看此幅畫，從兩側去觀看，不難發現看似立體構圖的這幅畫，其實是平面的，比起那片綿羊，其實更想觸摸的是這幅畫，想確定此幅畫是不是真的是平面的，又是一種視覺上和實質上的對比概念，而且細看菊花不論盛開或稍微枯萎，其中筆畫都十分嚴謹，可足見畫家乾淨俐落的筆觸。

一旁的導覽員說到，其實此幅畫作只是借Orchestral Manoeuvres in The Dark在1981年發行的專輯名稱所命名的，可見名字的取法不過是種表徵，要如何去解釋也是屬於觀眾和作者自己的想法了。
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躺著的女人＆呼吸陰影
醫放一李鈺潔

星期日我終於抽出空閒時間，約了兩個朋友和我一起去北美館。這次的世外桃源特展周末人真的很多，加上沒能聽到老師的講解，我們花了大概2個小時才看完。一路上我們在每一幅畫前看了很久，互相分享看到的東西，猜畫家要表達的意思，雖然有些在開玩笑不過還蠻有趣的。

一進門就看見一群可愛的綿羊迎接我們，雖然好像有一些沒有頭有一些詭異，不過大致上有一種來到一個不是城市的地方，可能是一大片草原或是牧場，而我們就是一群從沒去過鄉下的城市小孩看到一群羊般，充滿新奇。

其中印象最深刻的是那幅《結構與道德》，一幅肖像畫，一個穿著襯衫的人，但頭部卻是菊花，花和葉子的顏色沒有很鮮豔，給人一種灰暗的感覺。再來就是那幅畢卡索畫的《躺著的女人》(一開始我們還以為那是大象)，畢卡索將女人的某些身體部位線條拉長，有些或成優美的圓形，給人豐滿的感覺。

還有一幅《99分》，場景是在一間超市，裡面的商品價錢標籤或包裝上都印有99的字樣，很有趣。還有《呼吸陰影》一整個隔間牆壁充滿著枯樹葉，雖然不知道是哪一種葉子，不過葉子讓裡面都充滿了淡淡的葉香，正面對著門口還有用葉子做的肺臟，雖然不太懂是什麼意義，但是我們都很喜歡在裡面的感覺，每個參觀者到了裡面都好安靜，靜靜的看著牆壁的葉子，思索作者做這件作品的想法和意義。
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享受世外桃源
醫一甲徐瑋襄

這周末去看了期盼已久的世外桃源展覽，說〝期盼已久〞是因為自從這星期三在課堂上聽說了〝期中心得〞的存在後，就一直夾著〝緊張興奮〞的心情期待著前去看展的日子，終於在這個星期六，也就是6/6，和家人一起觀賞了這個充滿思考與啟發的世外桃源。

一走進會場，迎面而來的是一片黑暗與草皮的空間，穿過窸窸疎疎作響的草皮，撥開那盈動的簾子，撞入一大群的綿羊中，真是個不可思議的體驗，我來來回回走了許多次，終於發現到原來簾子上是有所投影的，微微的光線交織出一群想要搶奪綿羊的人們，真是個有趣的設計！入場的第一個作品便令我印像深刻。似乎帶領我們進入了另一個空間中，為這場展覽拉開了如詩般的序幕（我很喜歡那群綿羊，溫馴的毛皮上有著一張張孤傲的黑臉，成群結對營造出一種詩的氛圍）。羊群左手邊的第一件作品有著十分鮮豔奔放的顏色，由許許多多的色塊組成一幅獵人在林中入睡的圖畫，身旁有一隻老虎鄭在虎視眈眈的望著那位悠閒、仰頭大睡的獵人，是幅十分有趣的作品！我在這五彩繽紛的叢林前望了許久，雖然始終只看出了獵人、老虎與許多花草樹木，但我很喜歡這件作品散發出的那種悠閒、活潑、充滿生機。再來，我遇見了〝結構與道德〞，這幅逼真精細的畫作給人十足的存在感，由象徵式微與黑暗的菊花取代了肖像畫的人頭，給我一股強烈的震撼感，我不太能說清楚，但我似乎感受到一種強烈的反思與肅穆。走著走著，我走進了〝拉西約塔的小港灣〞，溫暖的色調與柔和的短小筆觸令人十分舒服，似乎有撫慰人心的功用，讓我不自覺的凝視了許久。

接下來，我逛進了充滿秋天氣息的月桂葉中，〝呼吸陰影〞，黃金比例的方塊鐵絲網網住滿滿的月桂葉，圍出一個大而靜的空間，陰影圍繞著整個空間，一束光照射在前方的一個人體肺部銅像，整個銅像都是由大大小小的月桂葉組成的，在這哩，似乎可以吸入滿滿的月桂香！充滿詩人們的繆斯但同時也讓我想起平日的醫學。再來，我穿過了許許多多的小世界，來到了海天一線的〝藍色二號〞，蔚藍的海面與天際、檢單的構圖，讓我有種渡假的輕鬆，兩旁的巨型貝殼有種古前文化的氣息。最後，我參加了兩場〝草地上的野餐〞，兩場野餐的風格迥異，但卻有令人驚訝的和諧感，或許是因為呈現的主題類似吧！我很喜歡那幅狂野的野餐，不僅有人，連許多動物：獅子、長頸鹿、猴子、鸚鵡等都參加了劇會，每個人都大方自在的赤裸著全身，象徵一絲不掛的自在，大家都看著畫面外，有些像照相的形式，又好像其實並不是我們在參觀他們，而是他們在觀賞我們這群奇怪的人類，因為，他們比我們自在多了！真是知道是誰在賞呢！

我很享受這次的世外桃源！雖然我的文化素質沒有很高，許多弦外之音都看不懂，也沒多少藝術背景知識，但就算沒有這些條件很可惜，我還是可以憑著一顆熱誠、快樂的心去感受這多采多姿的作品，許多畫家們心中的〝阿卡迪亞〞！很高興這次能在無壓力的情狀下慢慢欣賞這些作品，隨著自己最真實的心情隨意暢遊在每件作品所創造出的小世界之間，接受他們的震撼與啟發，穿越層層的城牆來到他們的聖地─阿卡迪亞。

這次的藝術之旅還有意想不到的收穫，在會場中，我們巧遇超級偶像中的樂融老師！沒想到參觀美術館不但可以感染文化氣息還可以與名人一同欣賞，真是一舉數得呢！
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「躺著的女人」
醫二乙 張弘

今天外面下著大雨，但我還是照著原定計畫前往。買完票、一進入參觀，就被一群米黃毛色的可愛羊群深深吸引。這裡有許多作品對我來說都是第一次見到，看到後來，我漸漸了解此展稱為「世外桃源」的原因，原來是這裡的展出的作品幾乎都是和諧、優美的，其中許多是風景畫，且是南法的美景，我覺得這應當是當時藝術家被南法美景所吸引，認為其為世外桃源而留下的畫作吧。

這些畫作有很多是以油畫的形式呈現，道出南法的風情，讓我也跟著嚮往，不知不覺的，心情跟著愉悅起來。這些畫作中，最令我印象深刻的就是畢卡索的「躺著的女人」，這幅畫不斷出現在北美館的廣告中，一開始我以為是大象的圖案，看了題目後，才發現這是一位躺著的女人。這幅作品的色調很和諧，讓人很舒服，其線條使用了很多平滑圓形的曲線，沒有尖銳突兀的感覺。我想這應當是畢卡索熱愛的女人，他用這樣的方式表達出深深的愛意。

老師上課跟我們介紹的「野獸派」與「立體派」對我有很大的幫助，讓我對一些畫作產生共鳴，印像深刻。世外桃源所展出的作品很多，我雖然沒有辦法弄懂全部的畫作，但這些柔和美麗的作品卻讓我很愉快，飽足的一場視覺心靈的饗宴，相當開心。
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「執著的女人」
醫二甲 賴佳業

首先要這這麼說有點尷尬，這是我第一次到台北美術館觀賞展覽，去了才知道，其實北美館離陽明大學還蠻近的，騎車大概三十分鐘就可以到達，以後不管有什麼展覽，只要有空就可以騎車過去，是個很好的休閒活動。

我選擇了禮拜五下午到北美館參觀，特別選擇非假日是為了避開人潮，不過當我到達北美館時，我發現我失算了，當天有三個學校的三個班級到北美館參觀，展覽的地點被將近一百個高中生擠的水洩不通，而且環境非常的吵鬧，令人有點不太舒服，而原本想照路線的順序來觀賞作品，卻因為人群太過擁擠不得不做跳躍式的觀賞，實在是有點可惜。

除了參展的環境品質有點沒有品質以外，其實這次展覽的作品有幾件事讓我印象深刻的，入口處的羊群只運用了木材、金屬以及羊皮，就能創造出如此生動的羊群，讓人不禁佩服藝術家的功力。另外，展覽中尺寸大的畫作是我第一次親眼看到的，以往在課本中看到大尺寸畫作的縮圖都只在腦海中想像其真正的大小，這次親眼看到，不知如何形容，大畫作常常給人一股雄偉、磅礡的感覺。只覽中還有一些舊時代的影片，因為裡面人潮實在太多，我只有看個幾分鐘就離開了，沒有辦法看完有點可惜。但是展覽中的作品有好幾幅讓我覺得有點奇妙，例如其中一幅叫做鄉村風景的畫，以我的角度來講，平心而論，畫圖的手法類似人類的本能，而且非常粗超，說明白一點，就是三歲小孩畫的圖畫，我觀察了很久還是感覺不出這幅畫特別的地方，可能是我沒有什麼藝術評論的天份吧！另外，也有許多讓人看不太懂得抽象畫作，簡單的線條加上複雜的點綴，不說這是名畫家的畫作，放在路旁搞不好會被認為是鬼畫符，其中讓我印象最深刻的就是一整張底色為藍色的紙，在圖中央畫上一條黑線，在點上幾個紅點，好想有個人能解釋這幅畫的意象讓我明白。除了這些「奇妙」的畫作外，展覽中不缺在畫布上把景象畫的栩栩如生的作品，尺寸越大越讓人感到驚艷，好想親眼目睹整張畫作完成的過程，最後，讓我覺得最有趣的是畢卡索的「執著的女人」，也就是票根上的那幅作品，第一眼看會讓人以為這是一支體型怪異的大象，不過仔細一看卻是一個側躺的女人，原本大象的眼睛變成女人的胸部，畢卡索的想像力實在令人敬佩！果然是一代大師！

這次的展覽，雖然環境不是很理想，不過整體下來令人還蠻滿意的，這應該是我第一次到美術館這麼用心的看展覽吧！其實仔細想想，休閒活動除了運動、看電影、聽音樂外，到處參觀不一樣性質的展覽真的是一個不錯的選擇，只可惜我有空的時間實在是不多＞”＜
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2009悍圖社

「悍圖社」
by劉家豪(醫放三)

匆忙的街巷，捷運慢慢得加快腳步，我雖然想追趕它的步伐，卻只能以眼角的餘光跟隨。到了奇岩站，尋找鳳甲美術館的位置，卻不知這美麗的地方，隱藏在一棟猶如被田園圍繞的高大方盒子中。

第一次給老師導覽館中展覽，老師就像一個專業導覽員，帶著大家參觀並給一些對作品的想法。讓我最印象最深的是帶著文化遺跡色彩的藝術品－卜南文明遺跡，一進去就發現這似乎是與主題格格不入的感覺，仔細一看，石板上不是甲骨文、鐘鼎文、或是楔形文字，整塊石板都是一些電腦亂碼，讓人整個很震驚，就像是起初研究著古文字卻根本看不懂代表的意思是什麼。旁邊的裝飾品，似乎是馬雅文明的文物，但其實它只是作者將其他文明的文物特徵組合起來，有種全新的感覺，卻又有種被眼睛矇騙的錯覺。

有一幅畫叫瞎子摸巷，裡面有4個人，都是小丑也是瞎子，腳下穿著連在一起的木屐，隱隱覺得最前面帶路的是位老者，年紀從前面看起來有遞減的感覺，巷是一個長輩帶著後輩前進，一切如果按照節奏前進，似乎是沒有問題，但是只要有一人跌倒，就會如一節火車脫軌，其他節火車跟著出事。他們是行走於城市巷弄間，似乎有些影射著現在的人們都像個瞎子般，只會跟隨前人的腳步，只要有人偏離既定路線，整個結構就被破壞，整幅畫雖然很明亮，但給我的感覺卻有些許悲傷。看到後面有個無敵鐵金鋼裡面的機器人做在蓮花座，讓我一直想笑，前面沉重的感覺都消失了。

出了美術館，外面的陽光帶著一點綠意，照著台北大道及田間小路，而我沿著捷運線享受著這難得的晴空。

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張弘(醫二乙)

這是我第一次來到鳳甲美術館，雖然是在大樓裡面，不若我想像中的獨棟空間，但裡面的布置讓我覺得很溫馨，給訪客休息的地方很像廚房，還有咖啡可以喝，很有家的感覺。之前我已經去看過一些展覽，有些作品一看就可以看懂它想表達的意思，會覺得很開心；但有些作品看了很久還是看不懂它的意思時，就會覺得有挫折感，我想，這就是普普藝術為什麼會那麼受歡迎的原因。

我覺得今天看展下來很有成就感，因為有老師的導覽。讓我不僅可以了解作品想表達的意思，也可以知道一些作家的生平、來歷，甚至是其作品價值等。我覺得了解一件作品真的很重要，有了解才會有共鳴，才會由衷的打動內心，加深印象，有如飽食一頓心靈饗宴，我覺得這就是我們來看展覽的其中一個重要目的。觀察力與聯想力需要訓練，很多作品其實只要仔細觀察、多加聯想，就可以看出許多背面的意涵而有所啟發。

悍圖社聯展的作品中，有幾個作品令我印象深刻，其中一個是郭維國的作品，我覺得他的作品最特別的就是以自己為作品中的主角，感覺很像在描寫自己，用自己的想法和自己的影像來傳達訊息，使作品更有說服力。一開始我看不大懂，聽過同學的想法與老師的提示後，我才發現其畫作中隱含有男生和女生的性器官，不仔細真的看不出來，手法很高明，而且每個圖中的物像之間亦有關聯，每多想多看懂一個環節，就會衍生出更多相關的連結，我覺得這不是一般的畫，反到是畫中有畫，道理中有道理，更顯出它的價值。這次的看展讓我體驗很多，漸漸學會該如何去看一件作品，想必對我日後參觀其他的展覽會有很大的幫助!

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瞎子摸巷
黃昭竣(醫二甲)

這是在鳳甲美術館悍圖社聯展的其中一件作品，大家在當時討論的相當熱烈，因此我選擇這一件我自己最有感覺的作品來探討。這個作品第一眼看上去會覺得有種詭譎的氣氛，似乎四周的空氣都被他們吸乾。此圖的背景顏色相當沉重，好像整個世界都要被吞噬。而且圖中的人戲謔的眼神，雖然有點討厭，但是實際上他們也是訴說他們的無奈。瞎子們過街，並且一個街一個魚貫而入，但是他們並沒有辦法看到前面的景色，在都市中鋌而走險。還有一點很重要的，畫面中的人都是濃妝豔抹，想要掩飾自己的內在。但相反的，他們這種滑稽的模樣，更引人們注意。我猜測作者是使用映襯的手法，想要突顯不安的感覺。這件作品讓我覺得印象深刻，雖然這只是誇飾。我會不禁想問，我所看到的世界真的就是真實的嗎，還是經過人為的偽裝? ? 這是個值得深思的問題。

※ 參觀心得

這學期很可惜，因為幾乎每次校外參觀的時候我都有事情撞到，因此只有去鳳甲美術館這一次。因為我們是就讀醫學相關的科系，平常比較少有課程是關於藝術人文方面的，所以選到老師的這門課是相當開心且期待的。校外參展一方面是親自體驗，另一方面老師又在旁細心導覽，我自己是覺得吸收的頗不錯。雖然很多作品我並不是看的非常了解，但是我認為出來參觀的重點，應該是培養我們自己學習到”欣賞”的能力，培養藝術氣息，有沒有看懂卻是另外一回事。而且有時候聽聽同學們不同的意見，互相激盪後，我才知道原來也可以由另一種角度切入事情，是一種很棒的經驗。最後還是謝謝陳老師開這門豐富的課程，再幾個月後，我也即將邁入大三，專業課程的開始，希望我自己也能夠花些時間精力在藝術人文方面，涵養自己的內在。

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